Ahora que se habla de Watchmen hasta en El País, esta soberbia imagen resulta bastante apropiada para relajar tensiones entre puristas y pro-Snyders. Y hay muchas cosillas más simpsoneadas en SpringfieldPunx.

(vía La Carcel de Papel)

Ya sé que lleva un par de semanas en cartel, pero no podía resistirme a comentar mis impresiones de la película que parece que va a despedazar cualquier tipo de record de recaudación.

Empezemos por las fuentes: a pesar de las coincidencias en el nombre, la peli no se basa en el tebeo El Regreso del Caballero Oscuro de Miller. En realidad, sus fuentes de inspiración más claras son La Broma Asesina y El Largo Halloween, aunque la historia, básicamente, es original a la película. Y por si alguien todavía está confuso, no tiene conexión con la primera Batman, aquella en la que Nicholson interpretaba al Joker, porque pertenece a la segunda serie de películas sobre el personaje que se inició con Batman begins, y que supuso un reinicio de la saga.

El Caballero Oscuro es, bajo mi punto de vista, la película más compleja que se ha hecho sobre el personaje, y también la más grave y oscura (en el sentido narrativo y emotivo, y no en el estético, como podría ser Batman Vuelve). Los personajes son tratados con más profundidad, el uso de la música y los efectos sonoros es especialmente crucial, y el diseño de producción, siendo menos barroco y efectista, permite centrar la atención en la historia y los personajes. El relato, básicamente, vuelve a explorar las omnipresentes ambigüedades morales que encarna el protagonista, y las confronta con las de la sociedad, usando al Joker como un vehículo perverso de este enfrentamiento ético.

Y mucho se ha hablado precisamente acerca del Joker que crea Heath Ledger, especialmente comparándolo con el de Jack Nicholson. Aunque inevitablemente tienen elementos en común, el de Ledger es mucho más salvaje y sucio (en todos los sentidos), y probablemente supone una puesta al día muy parecida a la que supuso el del primer Batman con respecto al de las series (interpretado por César Romero). En cuanto a Harvey Dent, su tratamiento está en las antípodas de la caricatura de personaje que interpretó en su día Tommy Lee Jones en aquel horror que se llamaba Batman Forever. En mi opinión, otro acierto es la sustitución de Katie Holmes por Maggie Gyllenhaal, musa indie y actriz con mucha más personalidad. Y que curiosamente es la hermana de Jake Gyllenhall, pareja de Heath Ledger en la peli Brokeback Mountain.

En resumen, hay unas cuantas escenas absolutamente memorables, y el conjunto vale el (desorbitado) precio que cuesta hoy en día una entrada de cine.

Parece que la adaptación al cine de Watchmen que está preparando Snyder (el único director que conozco, aparte de Rappel, que se llama a sí mismo "visionario") corre peligro: tal y como informa Álvaro Pons desde su cárcel de papel, la ultraconservadora FOX ha pedido ante la justicia que se paralice el estreno porque, parece ser, tiene una opción sobre los derechos para hacer una adaptación desde finales de los 80.

Quien sabe: si esto acaba siendo así, al igual entonces los que iban a verla al cine piensan bueno, pues entonces me leo el tebeo, y van y descubren todo un mundo nuevo y maravilloso. Pero bueno, imagino que lo que ocurrirá es que la productora del visionario le dará un flejellón de dólares a la Fox y tan amigos.

Desde que ví las primeras imágenes de Wall-E, hace ya casi un año, quise ir a verla: un robot, con pinta anticuada y diseño tosco, miraba el cielo con una extraña expresión, a medio camino entre la fascinación y la esperanza.

Lo que no esperaba era que la película fuesen 98 minutos de éxtasis narrativo, cinematográfico y visual. Especialmente la primera mitad, en la que los diálogos prácticamente no existen y los escenarios y personajes se reducen a lo mínimo, es uno de los fragmentos más memorables que he podido presenciar en el cine. Aunque luego el concepto derive por unos derroteros más convencionales, el resultado sigue siendo una de las películas más hermosas que nos ha brindado la casa del flexo. Tal vez no sea de extrañar si tenemos en cuenta que la historia, el guión y la dirección corren a cargo de Andrew Stanton, uno de los tipos más respetables de Pixar y responsable de aquella maravillosa Finding Nemo.

Aunque la película puede ser vista como una hermosa historia de amor y aventuras protagonizada por unos personajes absolutamente encantadores, también se puede gozar de una lectura más profunda si nos fijamos en la múltiples referencias literarias y culturales en las que se inspira: bebe de las fuentes de la Space-Opera clásica de la edad de oro de la Ciencia Ficción (la de Asimov, Ballard, Clarke, Scott Card y toda esa buena gente), matizada por el post-apocalíptico y la distopía. Además de clarísimas alusiones a clásicos del género, como 2001, Star Trek y Blade Runner, me vinieron a la memoria la saga de la Fundación de Asimov y la extraña película Idiocracia.

Pero Wall-E, más allá de sus fuentes, es una obra terriblemente original, con la que Pixar alcanza unos niveles de expresividad, ternura y emotividad pocas veces vistos en una película, ya sea de infografía o de imagen real (o, como sorprendentemente ocurre aquí, de infografía con pinceladas de imagen real). La creatividad y habilidad narrativa y plástica se mantiene hasta el final, con una secuencia de créditos en la que los autores despliegan toda su habilidad artística y visual.

Y por último, es necesario mencionar al divertidísimo cortometraje previo a la película: Presto, una pequeña joya con una fuente de inspiración realmente sorprendente: ¡el videojuego Portal!

...que se estrena WALL-E, de Pixar (repito, de Pixar, no de Disney. No confundamos autoría con distribución y explotación). Y parece que es de las mejores de Pixar, que es decir mucho.

Prometo comentario mañana.

Esta historia ha pululado muchísimo por la blogosfera, pero es demasiado curiosa como para no repetirla aquí.

¿Recuerdan el cartel de la peli El Silencio de los Corderos? Mostraba un primer plano de un rostro algo desdibujado, con una mariposa de la especie Acherontia atropos en la boca. Esta mariposa, que juega un papel destacado en la película, se caracteriza por tener un patrón en su cuerpo que recuerda poderosamente a una calavera.

Sin embargo, si nos fijamos bien, la calavera que aparece en el cartel es en realidad un grupo de mujeres, procedente de una composición fotográfica concebida por el artista Salvador Dalí.

En este artículo pueden verlo con mucha más claridad. Curioso, ¿verdad?

"I'm never going to watch this fucking thing"

Fue durante una entrevista con el fanzine de tebeos británico Tripwire. Se entiende si recordamos que la adaptación la hace el Snyder, autor de aquella cosa con espartanos que se empeña en decir que es una peli.

A través de La Cárcel de Papel acabo de ver el trailer de la nueva peli de Frank Miller: "The Spirit", que es la adaptación del tebeo más famoso de Will Eisner, el Gurú Supremo del mundo de los cómics.

Sé que a veces peco de purista en el terreno de los tebeos y sus adaptaciones (aunque lo de 300 y Watchmen no es purismo: es la reacción lógica ante dos atrocidades bárbaras producto de mentes desquiciadas y lobotomizadas), y es cierto que Miller (autor respetado y admirado) tiene derecho a dar su particular visión del personaje de Eisner. Pero es que, después de ver el trailer, creo que lo único que ha dejado del personaje de Eisner es su antifaz y la corbata. Y no sé si eso es del todo honesto. Eso sí, hay que reconocer que la peli parece que va a tener una estética bastante impresionante.

Siguiendo en la línea del post anterior: via Microsiervos me enteré de un simpático quiz que se publicó en la web de Empire. Se trata de adivinar los títulos de películas con sólo una letra de su póster.

Como sé que por aquí somos muchos los aficionados al cine, a ver si me echan una mano y lo completamos entre todos: a mí me quedan por resolver las número 5, 7, 9, 12, 13, 14, 17, 19, 20, 22, 23, 24, 27, 28, 31 a 35 y a partir de la 38. Pueden ver las que he resuelto haciendo click aquí.

1:Cars 2:Shaun of the Dead 3:King Kong 4:West Side Story 6:A_Bug's_Life 8:FightClub 10:Sin City 11:Saturday Night Fever 15:Matrix 16:Manhattan 18:Shrek 21:ClockWork Orange 26:Pulp Fiction 30:Jurassic Park 36:Spiderman 37:Showgirls

En Eatliver (que son muy cafres, pero que a veces ponen cosas con mucha coña) publicaron hace tiempo una galería de posters publicitarios bielorusos de películas norteamericanas.

No sé que los hace más divertidos: su discutible calidad plástica y estética, la desconcertante falta de similitud entre los personajes pintados y los reales, o la increíble masacre a cualquier principio elemental del diseño gráfico. Mejor decidan por ustedes mismos, pero, por favor, no se pierdan el póster de "Kill Bill", que me sigue pareciendo un misterio fascinante.

Lo curioso es que tras ver esto me han entrado ganas de visitar Bielorusia. Un país que anuncia de esa forma sus películas debe merecerse una visita.

Ayer estuvimos viendo El Cuchitril de Joe (John Payson, 1996). La peli no es tan buena como la recordaba, pero hay que reconocer que merece la pena echarle un vistazo aunque sólo sea por sus coprotagonistas: un grupo de simpáticas (pero muy cafres) cucarachas.

Aquí tienen los números musicales de la peli que encontré en el Tubo. Duran poquito, y se ríe uno un rato:

- Funky Towel (la escena del baño)
- Welcome to the Joe's Apartment (introducción)
- Rodeo felino (versión francesa)

Yo creo que la peli también es un clásico entre los recién emancipados (especialmente hombres), por eso de las comparaciones entre el estado de salubridad del piso que da nombre a la peli y el de uno mismo. No es mi caso, que mis amigos y mi familia saben que mi piso siempre ha sido un prodigio y modelo de higiene extrema y pulcritud sin parangón.

¿Recuerdan este famosísimo video de un aspirante a Bruce Lee comiéndose el tatami mientras intentaba hacer cosillas espectaculares? El nota fue bautizado por la comunidad Internetera como AfroNinja.

Pues no sé si es una coña o de verdad (seguramente lo primero), pero resulta que hay página oficial de la peli de AfroNinja.

Y ya puestos: ¿para cuando harán la segunda parte de Tron, protagonizada por Jay Maynard?

La primera: Doctor Strange. Prevista para estrenarse en el 2010, se basa en uno de los pocos personajes realmente interesantes de la factoría Marvel: el doctor Stephen Extraño, un mago místico-psicodélico-metafísico con bigotillo y un cuestionable sentido de la moda. Lo que realmente hace que haya que ir a verle es que el guión corre a cargo del Dios Viviente Neil Gaiman. Ah, y la dirige el del Toro. Más info aquí.

Y nuestras plegarias han sido escuchadas, y habrá nueva versión cinematográfica de Dune. Lo bueno es que suponemos que los gusanos CGI tendrán un aspecto acojonante, y que las legiones de Fremen asaltando el palacio del Padishah se contarán por millones. Lo malo es que el CV de su futuro director da un poco de miedo, y que seguramente no estarán en el reparto MacLachlan, Annis, Sting ni ese gigante (en todos los sentidos) que es Von Sydow. Más info aquí y aquí.

Días de Cine venía a ser a la tele lo que el Cahiers du Cinema o el Dirigido son a las revistas: un espacio de crítica y reflexión en el que tiene cabida todo tipo de cine, y no sólo los taquillazos USA del momento. Tras años de maltrato por parte de TVE, en diciembre de 2007 se emitió su último programa. Su director y presentador, Antonio Gasset, lo conducía con un estilo bastante personal, y aprovechaba la fidelidad (y escasez) de su público para soltar algunas frases no del todo habituales en un programa de esas características.

Aquí pongo algunas, y pueden leer muchas más en la recopilación de citas de Antonio Gasset en WikiQuotes:

- "Ahora vamos con El señor de los anillos, película basada en un famosísimo libro... que yo no me he leído. Sin embargo, les diré como anécdota, que algunos de mis amigos tienen, en una estantería totalmente vacía, junto con su foto de sus vacaciones en Calasparra, un ejemplar de El señor de los anillos."

- "Nos vamos con la esperanza de que ninguno se deje llevar por los fanatismos religiosos, políticos o sexuales: los primeros por no llevar a nada, los segundos porque el objeto de deseo suele ser un idiota de renombre y los últimos por las continuas frustraciones."

- "Jeunet es el director de ese engendro, película para algunos (estaban equivocados), ladrillo para otro (estábamos en lo cierto) que fue Amelie."

- "Se estrena estos días la película El último samurai, protagonizada por el ex-marido de Nicole Kidman, único dato destacable de este actor llamado Tom Cruise."

- "...Soy consciente que a la hora de emisión de mi programa solo puede ser visto por un puñado de politoxicómanos insomnes."

- "Veamos el reportaje de Mar adentro que ha realizado mi compañero y amigo Alberto Bermejo, el único de todo el equipo al que le ha gustado la película."

- "Aprovechen la pausa para revisar su agenda de amigos, encontrarán que han malgastado su preciado tiempo y paciencia en conocer a un montón de ineptos, no se corten, cojan un boli y táchenlos."

- "Llegó la hora de la pausa... espero que puedan contener durante unos minutos los impulsos sexuales de vuestras parejas... si no puede ser, no puede ser... en cualquier caso volveremos después de la publicidad con el sector mas casto de la audiencia."

- "Sed buenos, y si por lo que fuera no podéis, seguid siendo malos, la diferencia es mínima."

Ayer tuve la oportunidad de asistir a un pase especial de la peli Cobardes, organizado por el Servicio de Prevención y Ayuda Contra el Acoso Escolar del Gobierno de Canarias.

La peli está dirigida y escrita por José Corbacho y Juan Cruz, y entre sus protagonistas están la siempre estupenda Elvira Minguez (recuerden su memorable actuación en La Caja) y una Paz Padilla sorprendentemente coherente en su papel dramático. El relato se centra en un caso de abuso escolar especialmente duro que perpetran unos chavales contra una víctima elegida arbitrariamente.

Aunque desde el punto de vista cinematográfico hay algunos problemas de ritmo y de coherencia, el relato está contado de forma descarnada y sin concesiones al melodrama fácil, y se consigue mantener durante todo el metraje la atmósfera opresiva y contenidamente angustiosa en la que vive el joven protagonista. Con un repertorio de escenarios y personajes muy limitado, y a pesar de algunas líneas argumentales algo superfluas, se consigue meter al espectador en ese microcosmos viciado que padecen muchos adolescentes, y en cierta forma conseguir algo de comprensión sobre la problemática.

La película está dirigida a un público general, pero puede ser especialmente interesante para los que estén relacionados de alguna forma con alguien que esté implicado en abusos escolares.

Tras la proyección hubo un debate en el que intervinieron representantes de diversos colectivos, desde psicólogos hasta policías. Afortunadamente, cuando en el debate salió la palabra "videojuegos", no tuve que hacer de abogado del diablo para rebatir ese típico la culpa de todo la tienen los videojuegos violentos que he escuchado en alguna ocasión, y que pocas veces he conseguido erradicar. En esta ocasión había más sentido común.

Por último, aprovecho para agradecer y felicitar a Inmaculada (no sé su apellido, lo siento) por la organización de esta proyección.

En el pasado mostré mis temores y dudas sobre la adaptación que el Zack Snyder (conocido por haber perpetrado aquella abominación execrable de película basada en el tebeo 300) está haciendo de Watchmen.

Mis temores y dudas siguen ahí, pero al menos, tras quedarme alucinado viendo esta imagen, ahora creo que tal vez el tipo se lo esté tomando bastante en serio.

Anoche estuve viendo la peli Zodiac, de David Fincher. Como casi todo lo que hace este hombre, es un relato rotundo y bien construido, con un especial cuidado en los detalles y la deconstrucción del personaje protagonista.

Luego me puse a pensar en otras pelis de asesinos en serie, y me vino a la memoria American Psycho. En concreto la escena que creo que es, con diferencia, la mejor de todo el metraje: el momento en el que Bateman y otros yuppies empresa muestran, con orgullo y vanidad, sus nuevas tarjetas de visita. Todas ellas son casi idénticas, y en todas el cargo es el mismo (VP), pero las sutiles diferencias en la calidad del papel, la tipografía o la tinta, unidos a la terrible escala de valores de estos individuos vacíos, hacen que el duelo sea encarnizado, y que el perdedor sienta dolor físico.

Vean la escena aquí, en el tubo. En inglés, me temo.

Tras casi 20 años de espera, la semana pasada se estrenó una nueva peli de Indiana Jones. Y por supuesto, como casi cualquiera que haya sido un chavalín durante los 80 (y, especialmente, aquellos que además consumíamos cualquier cosa que sonase a aventuras/fantasía/CiFi), no pude esperar mucho para ir a verla.

Resulta dificil criticar, e incluso evaluar, una película como ésta: representa la continuación de una de las sagas con más carga mítica de mi generación. Aquella trilogía no solo es un compendio de virtudes del cine de aventuras (especialmente la primera y la tercera entrega, porque ya sabemos que la segunda era flojita), sino que la protagoniza uno de los personajes más carismáticos de la historia del cine, e inspiraró a un grandísimo hito de los videojuegos de aventuras: Indiana Jones and the Fate of Atlantis. Con semejante currículum a sus espaldas, resultaría injusto e inutil asistir a la proyección de esta cuarta parte de la saga compararándola con las tres primeras. Además, tras un paréntesis de 20 años la forma de hacer (y ver) cine de acción ha cambiado sustancialmente y, por supuesto, los actores (y por tanto sus personajes) han envejecido.

Sin embargo, a poco que uno se deje llevar por la historia y los personajes, ver Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal es uno de los mayores placeres cinematográficos que he experimentado en mucho tiempo. El personaje sigue teniendo tanta fuerza como siempre, más aún ahora que está matizado por el paso del tiempo, y su nuevo compañero de correrías (una especie de mezcla entre James Dean, Marlon Brando y Danny Zuko), en contra de todas las previsiones, encaja con mucha gracia en la historia. Claro que hay detalles de bastante poca credibilidad física, así como algunos tópicos del género, pero es que eso también es una característica intrínseca a la saga. Los guiños a las predecesoras gustarán a los espectadores veteranos, pero tiene entidad propia suficiente como para que una nueva generación de aficionados pueda engancharse a las anteriores a través de ésta.

Y hay una escena que, por sí sola, hace que la película merezca respeto: en una secuencia casi al inicio de la historia (no les reventaré el argumento al comentarla), Indy contempla, asombrado, el hongo atómico que sigue a una detonación nuclear. Por primera vez en la saga, un ente de destrucción masiva es obra del ser humano, en lugar de un producto de fuerzas sobrenaturales. Es todo un epitafio de una época pretérica de misticismo, así como esta película es el último clavo en el ataúd de una forma de hacer cine de acción. La tecnología reemplaza, inevitablemente, a la magia.

Este fin de semana nos dio por volver a ver la impresionante película Casino, de Martin Scorsese. Es una de esas películas rotundas, con unos intérpretes en estado de gracia (en mi opinión, Sharon Stone ya está redimida de cualquier pecado cinematográfico tras una interpretación como la que desplegó aquí), unas secuencias espectaculares y una historia despiadada. Los extremos de la película (la escena inicial y el epílogo) son simplemente impecables.

Pero además de por estos argumentos, Casino también merece ser vista por sus títulos de crédito iniciales. Más allá de sus cualidades estéticas, esta cabecera fue el último trabajo de Saul Bass, el gran profesional de este extraño arte y la única persiona conocida popularmente por hacer títulos de crédito.

Esto me recuerda a que hace poco descubrí un sitio dedicado exclusivamente a esta materia, llamado acertadamente The Art of the Title Sequence. Aunque aún tiene alguna carencia (como la propia Casino), ya cuenta con una nutrida colección de secuencias de títulos de crédito, tanto de películas como de series de televisión.

Allá por el 2004, Charlie Kaufman y Michel Gondry parieron una peli de culto llamada Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Aquí en España, su maravilloso título fue masacrado cuando a algún cretino le dio por estrenarla con el estúpido y engañoso nombre Olvídate de mí.

Cuatro años después, cuando aún no nos habíamos olvidado del pelo azul de la Winslet, Gondry vuelve a construir un clásico underground instantáneo: Rebobine, por favor.

La pareja protagonista es Jack Black (que desde Tenacious D ostenta la categoría de Dios Viviente) y Mos Def (sí, el del Autoestopista Galáctico), y hacen papelitos menores gente gorda como Danny Glover, Mia Farrow y Sigourney Weaver.

La historia es un portento de ingenio estrafalario y desparpajo narrativo, en el que se mezclan en un relato surrealista el cine VHS de los 80, la conspiranoia y el Jazz negro estadounidense. Además de lo desternillante de algunas escenas, lo original del planteamiento y la enorme sensibilidad de la parte final, la película también merece ser vista por el inteligente tratamiento que hace de la comunicación viral y la creación casera de contenidos audiovisuales.

Si no hacen caso a mi consejo y no van a verla, al menos échenle un vistazo a la página oficial. Y no una, sino varias veces, porque tiene varias portadas diferentes.

Realmente están haciendo la adaptación cinematográfica de uno de los tebeos más influyentes y glorificados de la historia: Watchmen. Vean las primeras imágenes de los personajes protagonistas en la página oficial de la cosa esta.

Al verlas, algunos podrán decir: "coño, pues tienen buena pinta". Y tal vez tengan razón, pero seguro que eso no va a salvar a ese engendro abominable de película que seguramente resultará ser.

Y también dirán: "¿Y porqué este chaval tiene esta actitud tan pesimienta e incendiaria acerca de esa película?" A lo que les responderé: dos motivos.

1. La dirige Zack Snyder, quien tal vez sea una bellísima persona, pero es el responsable de una de las mayores atrocidades fílmicas que he tenido la desgracia de visionar: 300

2. Seguiré diciéndolo hasta desfallecer: no se puede adaptar Watchmen a otro medio que no sea el tebeo. No es que "no se deba", sino que "no se puede" sin fracasar en el intento. Los motivos están explicados en mi artículo sobre Watchmen.

Hace ya unas cuantas semanas que se nos pasó la resaca de la última edición de los Oscar, pero no por eso voy a dejar de aconsejar esta página, en la que han recopilado los carteles de todas las películas que han ganado el Oscar a la mejor película. En algunos casos se puede obtener una versión a una resolución decentita al hace click en el cartel.

Además de un magnífico recordatorio visual de los filmes laureados, permite apreciar fácilmente la evolución en gustos y técnicas que ha sufrido el cartelismo cinematográfico.

Este fin de semana fue especialmente cinematográfico. Les he preparado micro-análsis de tres de las películas que ví:

- La vida de los otros. Una experiencia inolvidable. A pesar de su aparente calma y ritmo pausado, tiene algunos de los momentos más estremecedores que he visto en el cine. Toda una lección de sensibilidad, sustentadas con unas interpretaciones escalofriantes. Lamentablemente, parece que hay planes para hacer una versión a lo Hollywood, en lo que sería la enésima herejía yanqui descerebrada contra una maravillosa peli europea.

- Lara Croft Tomb Raider: la cuna de la vida. Una auténtica tortura cinematográfica. Guión estrafalario, historia manida (y claramente robada de la saga de Indiana Jones), personajes totalmente arquetípicos y uno de los resultados más desastrosos y lamentables que se han visto en la pantalla. Aléjense de ella. Si quieren ver a la Angelina Jolie, mejor usan el Google Images, que tiene más profundidad narrativa que este esperpento al que llaman película.

- El Rey del Juego (The Cincinnati Kid). A diferencia de las anteriores, ésta no es reciente. Se trata de una peli de Norman Jewison, rodada en 1965 y con Steve McQueen como protagonista. La historia es bastante sencilla: básicamente narra el enfrentamiento en una super-partida de póquer entre un irreverente y seductor jugador que comienza a fabricar su mito y una auténtica leyenda que se niega a retirarse, interpretada por un inmenso Edward G. Robinson. La película resiste magníficamente el paso del tiempo, y la escena climática sigue siendo acojonante.

Ayer fue la ceremonia de entrega de los Oscar. Como de costumbre, no la ví (para mí suele ser demasiado larga, demasiado aburrida y la ponen demasiado tarde), pero como de costumbre, a primera hora le eché un vistazo a los resultados.

No hay muchas sorpresas: No es país para viejos (que aún no he visto, lo que es totalmente imperdonable) arrasó con los premios principales, incluyendo película, dirección (¡Los Coen tienen, por fin, Oscar a la mejor dirección!) y actor de reparto, para Bardem. En cuanto a otra de las favoritas, Sweeney Todd (que ví el viernes y me decepcionó bastante) se llevó el de dirección artística. Y por último, Ratatuille, a la que le tengo especial cariño, se llevó el de película animada.

Muchísima gente ha visto la trilogía de "El Padrino", de Francis Ford Coppola (basada en la novela de Mario Puzo). Y de esa gente que la ha visto, la mayoría opina que es una obra cinematográfica soberbia. Hoy me gustaría recordar los motivos por los que yo opino lo mismo:

1. Michael. El Don Vito de Brando es la imagen de la primera parte, pero para mí el personaje de Michael Corleone y la vida que le da Al Pacino son el principal motivo por lo que la saga es lo que es. Muy pocos personajes cinematográficos tienen una fuerza parecida.

2. Los secundarios. Dejando de lado a Pacino, Brando y De Niro, tienen presencia destacada una serie de actores secundarios en estado de gracia, como el Fredo de John Cazale (actor de culto donde los haya) o el Tom Hagen de Robert Duvall.

3. La ambientación. Tanto la Italia rural como los paisajes urbanos de Nueva York están retratados con un realismo y una atmósfera acojonantes.

4. Metáforas y montajes. Ya sea por su simbolismo o por la efectividad del montaje, hay diversas escenas estremecedoramente inolvidables. Por poner unos ejemplos están la del tiroteo con las naranjas (Parte I), la de la Caballeria Rusticana (Parte III) o mi favorita: la repartición de la tarta de Cuba entre los mafiosos (Parte II).

5. La tipografía y el logo. Este motivo no suele salir en las revistas de cine, y no creo que sea trivial: al fin de cuentas, ¿no son realmente fantásticos la tipografía del título y el logotipo de la mano del titiritero?. Quien los concibió se merece algo de más reconocimiento.

Y para terminar, he aquí una extensa y jugosa colección de links variopintos sobre la saga, por obra y gracia de Grow-a-Brain.

Hoy me gustaría rescatar tres vídeos del festival audiovisual Resfest 2005 que me dejaron absolutamente boquiabierto en su día, tanto por su calidad técnica como por su capacidad emotiva. Auténticas obras maestras.
Todos pueden ser vistos en el Tube, pero si están en el trabajo y no tienen altavoces, mejor esperan a llegar a casa para poder escuchar la música, porque en las tres piezas es importante.

Overtime. El planteamiento de este pequeño corto es muy original: unas primitivas Ranas Gustavo le rinden a su creador, Jim Henson, el homenaje póstumo que se merece. La música es preciosa y el resultado profundamente conmovedor.

Tread Softly. Ya dije en este post de hace unos meses que mi poema favorito es el Tread Softly, de Yeats. En esta pieza se lleva a imágenes llenas de belleza. Las líneas iniciales, que apenas se pueden leer, explican lo siguiente: "En 1889 Yeats conoció a Maud Gonne, una actriz y revolucionaria irlandesa, que se convertiría en su gran amor durante 20 años. Fue su inspiración de su vida y su imaginación. Sin embargo, ella nunca correspondió a su amor."

Fallen Art. Esta pieza es realmente impactante. No creo que deje indiferente a nadie. Es un poderosísimo alegato a la arbitrariedad y el sinsentido de la guerra y los militares, aún me estremezco al recordar la primera vez que la ví.

Allá por el 2005 la actriz y directora Miranda July estrenó su primer largometraje: Tu, yo y todos los demás, que pude ver durante este fin de semana.

Es una historia bastante dificil de clasificar, que toca los temas de las relaciones humanas, la soledad y el sexo. Está claro que hay cientos de miles de películas que tocan estos temas, así que ¿que hace que ésta sea distinta?

En primer lugar, su carga simbólica. Hay multitud de pequeños detalles visuales y fragmentos de diálogos que, siendo en apariencia simples y rutinarios, esconden un enorme peso sentimental y emotivo. Por otro lado, el inteligente uso de la música y la fotografía contribuyen a potenciar una atmósfera triste y melancólica, que se suaviza con los frecuentes toques de humor ácido de la historia y con algunos momentos terriblemente tiernos y poéticos.

Está claro que requiere del espectador cierta complicidad y, al principio, paciencia, pero que se ven recompensadas al final con la agradable sensación de haber visto algo distinto, emotivo y profundo.

Y por último, si la ven y se pasan media película preguntándose en qué otra película han visto a la actriz que interpreta a la cría del ajuar, he aquí mi respuesta: no lo sé, pero NO es la de Little Miss Sunshine. Por mucho que se parezca. Lo he comprobado.

Parece que a los coreanos les encanta comer pulpo crudo, tal y como muestra este vídeo. Tan crudo, que no deja de retorcerse, ni siquiera cuando se trocea. Da un poco de asquito, pero reconozco que podría ser una experiencia gastronómica fascinante, si no fuera por las cuestiones éticas que acarrea.

Y todo esto me recuerda a aquella maravillosa película de Chan-wook Park: Oldboy. Algún día escribiré un post sobre ella, y comprenderán porqué una cosa me recordó a la otra. Por lo pronto, si no la conocen y la ven por ahí, échenle un vistazo. No deja indiferente.

El fin de semana me tragué una peli que tenía pendiente desde hacía tiempo: Tocando al viento (brassed off), de Mark Herman. El título no es nada casual: tanto el traducido como el original aluden a un juego de palabras con la expresión meando al viento (pissed off).

La película narra los conflictos laborales de un grupo de mineros ante el más que previsible cierre de su mina, en el contexto de la Inglaterra de Margaret Tatcher. Paralelamente, la banda de metal (es decir, especializada en instrumentos de metal: nada que ver con el Heavy Metal) de la mina, formada por los propios trabajadores, intenta convertirse en la ganadora del Certamen Nacional de Bandas de Metal de Inglaterra.

Esta simpática película se estrenó justo un año antes que "The Full Monty", y aunque las dos películas son muy parecidas en temática y planteamiento (yo diría que hasta demasiado parecidas), la de los strippers tuvo mucha más repercusion, al tener un humor más accesible y facilón. "Tocando al viento", sin embargo, aborda cono mucha más profundidad y compromiso el gran drama que supuso para el norte de Inglaterra el abandono de la industria pesada por parte del gobierno central, en manos de los Torys. Sólo en el sector minero se produjo la pérdida de unos 250.000 empleos por los cierres de minas, que afectaron principalmente a una población humilde y endeudada. Las consecuencias de aquella despiadada política aún se palpan hoy en día: cualquiera que haya recorrido Inglaterra puede comprobar las gigantescas diferencias económicas y sociales que hay entre el turístico sur y el desolado norte.

Más allá de su temática social, la película retrata con bastante acierto el caracter inglés, aunque se le puede achacar cierta torpeza en la dirección y un guión algo previsible. La interpretación del grandísimo Pete Postlethwaite (¿recuerdan al padre de En el nombre del padre?) es, como siempre, soberbia. La sensación al final de la película es la de haber visto una película de Ken Loach, aunque algo más suave y amable.

Y a modo de curiosidad: el discurso final del personaje de Postlethwaite es el fragmento de diálogo con el que empieza la canción más famosa de Chumbawamba: Tumbthumping.

Hace ya tiempo que prometí un análisis de la edición definitiva de Blade Runner cuando la tuviese en mis manos. Pues bien, obra en mi poder desde hace ya unas semanas (la versión compacta, que no trae maquetas ni figuritas), y ya he tenido la oportunidad de disfrutar algunos de sus contenidos, que paso a reseñar a continuación:

- Montaje definitivo del 2007. Se supone que es la versión que Ridley Scott siempre había querido para su película, pero hay que reconocer que las diferencias son muy sutiles. Si uno hace tiempo que no la ha visto, no notará la mayoría de las alteraciones. Pero en cualquier caso, revisando la lista, hay que reconocer que aunque sutiles eran necesarias, y que la reedición estaba plenamente justificada.

- Workprint. Es la primera versión que se mostró al público, en concreto a una audiencia reducida, para examinar las primeras impresiones de los espectadores. Probablemente la versión a la que más se parece es a la del montaje del 2007, pero con notables diferencias al principio y al final. Curiosamente, el principio de todo (antes de las imágenes panorámicas de Los Angeles) me gusta más que el de los montajes posteriores.

- Documentales. Aún no los he visto todo, pero son realmente buenos. Nada de los típicos es un honor trabajar con fulanito o los efectos especiales son lo nunca visto: material realmente informativo y riguroso. Son especialmente reveladores los dedicados a las alteraciones en la adaptación de la novela y el trabajo de diseño gráfico.

Además de estos contenidos, el cofre incluye las versiones estrenadas en el 82 y el montaje del director del 92, que ya estaban disponibles anteriormente. Por otro lado, el aspecto exterior e interior del cofre es impecable, y los menús de navegación están muy cuidados.

En definitiva: una inversión más que justificada para los fanáticos de la peli, con una relación calidad/precio excelente.

El fin de semana pasado se estrenó en España la adaptación cinematográfica de El amor en los tiempos del cólera, la novela de Gabriel García Márquez. Ayer mismo fuimos a verla.

No voy a entrar en la fidelidad de la película a la novela ni a compararlas, simplemente porque no he leído la obra literaria. Me centraré, por tanto, en la película en sí misma, que está dirigida por Mike Newell (el de Cuatro bodas y un funeral) y protagonizada por Javier Bardem y Giovanna Mezzogiorno (no, yo tampoco había oído hablar nunca de ella). Está realizada con un cuidado exquisito en la reconstrucción de la época y los ambientes, y el argumento se desarrolla de forma fluida y entretenida. La pasión y el romanticismo del argumento están plasmados en imágenes de gran sensibilidad, en las que las interpretaciones están a la altura de unos diálogos deliciosos. Sólo podría achacársele cierta irregularidad en las caracterizaciones (uno no puede creerse la edad que se supone que tiene la protagonista en algunas escenas) y un montaje a ratos algo confuso (especialmente cuando hay saltos importantes en la cronología). Pero bajo mi punto de vista es una película notable, injustamente maltratada por algunos críticos.

Pero, sinceramente, lo que realmente me encantó de la película no tiene nada que ver con sus virtudes cinematográficas: son algunas de las ideas que transmite, y que me imagino que están presentes (y de forma más completa) en la obra origen. Ideas que parten del amor más absoluto, que probablemente es sólo teórico e ilusiorio, pero que puede ser perfectamente el motor de la vida de una persona. Ideas como la del padre de Florentino, que afirmaba en su lecho de muerte que sólo lamentaba una cosa: no haber muerto por amor. O el sufrimiento físico por un amor: la madre de Florentino, viendo la angustia de su hijo ante la incertidumbre de si su amor es correspondido, le aconseja que sufra, que sufra como nunca ha sufrido, porque nunca volverá a tener la oportunidad de sufrir de esa forma. Y muchos otros conceptos que no quisiera citar aquí para no destripar el argumento. Conceptos, en suma, que giran en torno a la pasión y al Amor más absolutos, y que parece que hoy en día están mal vistos en un mundo de corrección y asepsia social y racional, en el que se asume el amor debe ser sustituido forzosamente por la rutina y el engaño. Yo, personalmente, me niego a creerlo.

No es país para viejos
Cuando: 8 de febrero
Porqué: La dirigen Joel y Ethan Coen. Eso debería bastar para ir a verla, pero además ha gozado del más fervoroso entusiasmo de la crítica internacional y ha ganado el Globo de Oro al mejor guión. Ambas cosas no garantizan nada, claro, pero animan a verla. Y encima tienen papeles destacados nuestro Javier Bardén (que también ganó el Globo de Oro) y la siempre estupenda Kelly MacDonald.

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal
Cuando: 22 de mayo
Porqué: Indiana Jones. Yo creo que casi cualquier individuo de mi generación creció queriendo convertirse en Indiana Jones de mayor. Las tres primeras películas son todo un compendio de cómo debe ser una película de aventuras (imitaciones posteriores como La Momia no le llegan a la punta de los talones, por supuesto), y aunque esta cuarta entrega sólo se haya hecho para ganar dinero, da igual: es Indiana Jones, y la dirige Spielberg.

Synecdoche, New York
Cuando: Dios sabe cuando. Probablemente finales de año.
Porqué: Dirección y guión de Charlie Kaufman, la mente preclara y brillante detrás de maravillas como Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Además, el reparto es espectacular: Philip Seymour Hoffman, Dianne Wiest, Emily Watson, Samantha Morton, Jennifer Jason Leigh y Catherine Keener, entre otros. Y el argumento promete.

¿Qué pasaría si juntásemos a Susan Sarandon, un novio suyo muy correcto, un travesti que desea ser como el Doctor Frankestein, dos extraterrestres, a Meatloaf, a una petarda histérica, a un investigador y al medio cerebro de un delicuente?

Pues que tendríamos ante nuestros ojos The Rocky Horror Picture Show. Copio lo que dice la Wikipedia: es una película dirigida en 1975 por Jim Sharman sobre el musical The Rocky Horror Show de Richard O´Brien. Se trata de una película de culto sobre una pareja que, tras una avería en su coche, se ven obligados a pasar la noche en la mansión del Doctor Frank N' Furter que celebra la convención de transilvanos con motivo de la creación de su criatura, Rocky Horror, un hombre perfecto cuyo "medio" cerebro pertenece a un delincuente juvenil. La película no tardó en ser objeto de culto y pasar a la historia siendo todavía exhibida en cines donde se montan auténticas fiestas en torno a la película.

Mi opinión: es una obra de arte. Aunque la última parte de la película me parece un poco psicodélica. El personaje principal (el Doctor Frank N' Furter) tiene una personalidad de esas que no pasan desapercibidas. Además de su atuendo... que no es nada habitual para la época. Las canciones son increíbles e invitan a bailar y a soltarse uno la peluca (para los peninsulares/as: desmadrarse). Mis favoritas: Time Warp y Sweet Transvestite, que sirve como presentación de nuestro querido Doctor Frank N’ Furter. También podemos ver una jovencísima Susan Sarandon haciendo de niña buena que más tarde se suelta la melena, junto a su correctísimo novio, encarnado por Barry Bostwick, a quien hemos visto de alcalde de Nueva York en la última serie de Michael J. Fox.
La única pega que tiene la película para los hablantes de español es que no ha sido doblada. Únicamente puede disfrutarse en VO o con subtítulos. Pero merece la pena.

Para los valientes que la vean: el Time Warp es fácil de bailar.

Transinity

Por respeto a mis lectores de fuera de mi ciudad no suelo poner posts que sean demasiado específicos de Las Palmas de Gran Canaria, pero les ruego que hoy me permitan hacer una excepción.

Saben que en esta ciudad tenemos varias salas de cine, pero casi todas estrenan lo mismo: producciones estadounidenses de gran presupuesto y recaudación. Los Multicines Monopol, por la zona de Triana-Vegueta, son la excepción. Llevan años estrenando películas independientes y minoritarias, de gran diversidad de estilos, nacionalidades e intenciones.

Por desgracia ese cine de autor, sincero y valioso, corre peligro. Al parecer los propietarios quieren cerrar la sala por la falta de público. No estoy seguro de la completa veracidad de esto, pero sólo la mera posibilidad basta para que hagamos un esfuerzo, y si algún día una película que queramos ver se estrena al mismo tiempo en el Monopol y en otro cine, vayamos a la única sala que aún se esfuerza en considerar al cine como un arte, y no como una mercancía. Además, tanto la entrada como las provisiones de picoteo y bebida son mucho, mucho más baratas.

Una de las películas de culto de los 90, que pasó injustamente desapercibida entre el gran público, fue "La Ciudad de los Niños Perdidos", del grandísimo tándem creativo que fue la pareja de directores Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet. Más o menos una vez al año sigo revisando esta maravillosa pieza de creatividad y sensibilidad visual.

Pues imaginemos que al argumento básico de aquella película le quitamos la particular imaginería visual pesadillesca de Jeunet y la sustituimos por la fantasía bucólico-pastoril de la saga de Narnia, de C.S.Lewis. Y si a eso le ponemos un poquito del estilo Steampunk que está tan de moda (es decir, estética victoriana y de la revolución industrial puesta al día), tenemos más o menos el concepto básico de La Brújula Dorada, el último éxito del cine fantástico de gran presupuesto.

Dejando aparte comparaciones, la película se trata de la adaptación del primer libro (que se llamaba Northern Lights, pero que en los EEUU prefieron rebautizarlo como The Golden Compass) de la saga His Dark Materials, del británico Philip Pullman.

No sé muy bien si la adaptación es fiel, aunque al parecer se han suavizado los elementos religiosos de la novela. Y teniendo en cuenta que aun así los fanáticos religiosos norteamericanos pusieron el grito en el cielo, pues tal vez la moderación a la hora de adaptar fue una buena decisión. A mí, personalmente, me pareció una película elegante y entretenida, con un reparto excepcional, algunas escenas puntuales bastante emocionantes y una estética muy cuidada. Es de esas películas que gustarán a chavales y mayores, pero que al ir a ver hay que tener en cuenta que es la primera parte de una trilogía.

Pero claro, algunas comparaciones, aunque odiosas, son inevitables, y mi impresión final es que, aunque es una película más que correcta, es mucho más fria que las dos películas a las que me remite: la primera parte de la saga de Narnia y, sobre todo, "La Ciudad de los Niños Perdidos".

Ayer se puso a la venta internacionalmente la edición absolutamente definitiva en DVD del grandísimo clásico Blade Runner, de Ridley Scott. La peli que marcó un antes y un después en la Ciencia-Ficción y el Cyberpunk, por obra y gracia de Ridley Scott, Philip K. Dick y Syd Mead. Ha sido bautizado oficialmente como Blade Runner: el montaje final. Edición coleccionista 5 discos.

Aquí en España parece ser que se venderá sólo en dvdgo.com a partir del 2 de enero, pero estoy convencido que también se venderá en otras tiendas. Y si no, siempre nos queda Amazon.co.uk. Por cierto, los DVDs son los mismos que los de aquella edición super-limitada en maletín y con chucherías que se agotó completamente en pocos días.

¿Y por qué todos los adoradores de esta peli tenemos que comprar esta edición?. Pues porque en una bonita caja (vean fotos aquí y aquí) se incluyen cinco (!!!) versiones diferentes de la peli, cuidadosamente remasterizadas: las dos versiones que se estrenaron en el 82 (USA e internacional), la del director del 92, un nuevo montaje de Ridley Scott y un rarísimo Workprint. También incluye un DVD con flejellones de extras: documentales, comentarios, curiosidades, ilustraciones conceptuales...

Además tiene un precio bastante razonable para lo que trae: menos de 50€. Obviamente, tendré que comprarlo tras la sangría económica que son las navidades. Esperemos que a mediados de enero aún quede alguno por ahí.

Y prometo un análisis en profundidad de este tesoro cuando lo tenga en mis manos.

No me considero ducho en muchas materias, pero una de ellas, sin duda, es Mortadelo y Filemón durante la Época Dorada de Ibañez (finales de los 60 - principios de los 80). He leído cien veces algunos de los tebeos de este glorioso pe