La legendaria película de Fritz Lang Metrópolis ha vuelto a pasar por los laboratorios, y en este año tendrá lugar el estreno de una nueva versión restaurada por la Fundación Murnau. Eso quiere decir que, probablmente, dentro de poco saldrá una edición en DVD que permitirá verla como nunca antes. Mucha más información aqui.

Por lo pronto he descubierto por ahí esta magnífica fotografía del proceso de construcción del mítico decorado de la ciudad de la superficie. Impecable.

Para los que hayan vivido en una cueva y no sepan de qué estoy hablando, Metrópolis es una peli muda de 1927 terriblemente avanzada a su tiempo, tanto por la historia como por la forma de contarla. Yo incluso diría que es la primera peli Cyberpunk de la historia, por mucho que algunos se lleven las manos a la cabeza.

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- ¡Pardiez! ¡Han nominado a Up tanto a mejor película como a mejor película animada! ¿no es un poco raro? ¿Se puede llevar los dos?

- Distrito 9... ¿como mejor película? Yeah. Quien lo diría.

- Que putada: Invictus y el viejo Clint no se llevan nada en pelicula, dirección ni guión. Al menos la pareja prota está nominada.

- Lo siento mucho por Pé, pero ¡por favor, que el de mejor actriz se lo lleve Anna Kendrick o mi adorada Maggie Gyllenhaal!

- Ya por lo pronto, que se lo vayan dando a Randy Newman y a Christoph Waltz, y nos vamos ahorrando tiempo.

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Muy lejos de los revuelos crítico y taquilleros de Gran Torino, el Invictus de Eastwood parece llamado a convertirse en lo que ya algunos llaman una obra menor del director.

Cosa muy injusta, por otro lado: bajo mi punto de vista, el retrato (algo hagiográfico, tal vez, pero al fin de cuentas no es un documental) de Mandela que construyen mano a mano Freeman y Eastwood y la forma de narrar los acontecimientos que rodearon a aquellos días de Sudáfrica la convierten en una de las mejores películas de la temporada.

Échenle un vistazo y opinen. No es una de esas típicas pelis de triunfo personal y patitos feos.

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Esto ha pululado mucho por la web, pero no puedo resistirme a repostearlo porque es una de las mejores obras de infografía que se han visto por ahí. No por lo espectacular (que lo es), sino por la sublime sensibilidad de la que hace gala. 13 minutos de belleza onírica.

Se trata del corto The Third and the Seventh, hecho íntegramente por Alex Roman. Las imágenes son generadas completamente por ordenador, exceptuando las figuras humanas.

Pero ¡ojo! para disfrutar al máximo la experiencia, sigan los consejos de visionado que puso Mandelrot en su momento, a los que añadiría dejar el vídeo en pausa nada más hacer click en "play", y dejarlo en pausa un par de minutos hasta que cargue lo suficiente para que luego no haya interrupciones para seguir cargando (especialmente importante para conexiones lentas).

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Hmmm... parece haber cierta división de opiniones sobre la última de los Coen: a mí me gusta, al resto de la gente parece que no.

Por lo menos, todo el mundo parece estar de acuerdo en que la escena del Bar Mitzvah es antológica.

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Como estanochesnochebuenaymañananavidad y todo eso, y además este blog no vuelve hasta el lunes, quería dejarles con un buen sabor de boca. Y creo que lo voy a conseguir con estas cuatro pequeñas maravillas del cortometraje de animación. Estilos y técnicas muy, muy diferentes, pero a su modo, los cuatro son excepcionales:

- Empezamos por uno a-la-Pixar (al igual porque está hecho por un animador de Pixar), pero con argumento realmente inquietante: Alma.

- Aunque también tiene nombre de mujer y también da mal rollete, Lucía es muy distinto al anterior en técnica y estilo. También impresionante.

- Cambiamos radicalmente a algo mucho más ligero y optimista, y de paso volvemos a Pixar: George & AJ es una pequeña bromilla que complementa a Up!. Es bastante recomendable haber visto el largometraje previamente.

- Y por último, mi favorito: The Passenger es una obra maestra de 7 minutos fruto del trabajo de una sola persona, Chris Jones, durante ocho años de trabajo. Pero realmente un gran trabajo en todos los aspectos: expresividad, originalidad, técnica y atmósfera. Me quito el sombrero por este hombre.


Pues espero que las disfruten, como también espero que se lo pasen bien durante estas fiestas, tanto si las celebran como si no. Nos veremos en el próximo post, que probablemente será el último del 2009. No somos nadie.

(Gracias Mandelrot, Damagode por algunos de los vídeos)

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Esto debería haberse publicado hace unos años, pero nunca es tarde para esto.

Veamos: cuando uno quiere bajarse una peli de la web, el BitTorrent o el eMule (que recuerden que es un acto muy ilegal, inmoral y además engorda), se encuentra uno sumido en el caos de calidades, formatos y siglas raras, así que me parecío interesante que ayer en Microsiervos hicieran eco de esta magnífica guía sencillota que arroje algo de luz en todo esto. Si no tienen mucha pericia en estas cosas, échenle un vistazo, que resulta especialmente útil.

De todas formas, como aquí somos muy serviciales y buena gente, les voy a resumir lo más básico de la guía:

1. Si en el nombre del archivo que se está uno descargando aparecen palabras como Cam, TS, TeleSync, TS-Screener o simplemente Screener, la calidad será generalmente chunga, porque es una grabación directa con cámara de vídeo en la sala de cine.

2. Si, por el contrario, aparecen las palabras DVD-Rip, BR-Rip o HDTV-RIP, probablemente tendrá buena calidad, porque es una copia directa (con recompresión) de un soporte o emisión digital.

3. Si aparece DVD-Screener: generalmente es un DVD-Rip de un DVD americano al que se le pone el audio en castellano procedente de una sala de cine española. En definitiva: la imagen será buena, pero el sonido no tanto. Además, pueden haber incoherencias si en la peli hay fragmentos subtitulados o con diferentes idiomas.

4. Si nos interesa conseguir la versión original subtitulada, podemos hacer la búsqueda agregando palabras como "subtitulada español", "spanish subs" o cosas similares. Otra opción es bajarse la peli original y buscar su archivo de subtítulos (generalmente tipos de archivo SRT o SUB), aunque no siempre hay sincronización o buenas traducciones.


Pues eso es todo. Más info en la mencionada guía. Y recuerden: todo esto es para culturilla general, pero no se bajen pelis, que por cada peli que se baja uno, se muere un productor de cine.

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Si no han visto el corto Rejected, de Hertzfeldt, no han visto nada en dibujos animados.

El principio tal vez pueda aburrirles, pero tengan paciencia: la cosa va in crescendo, hasta el apoteósico final.

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Flejellones de salas de cine repartidas por todo el territorio español, unas 50 salas en Las Palmas de Gran Canaria...

... y no parece que tengan la más mínima intención de estrenar aquí "El imaginario del Doctor Parnassus", de Terry Gilliam, ni "Destino Woodstock", de Ang Lee.

Así que una de dos, o bien espero año y medio a que las pongan por la tele (de pago) o bien ... ejem.

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Hay un género en el que creo que el creadores cinematográficos estadounidenses son especialmente hábiles: el cine político. Ya desde los 60, y con la notabilísima excepción del gran maestro griego Costa-Gavras, han desfilado por la cinematografía estadounidense grandes películas basadas en la ficción política o la reconstrucción de hechos recientes. Se podrían poner muchísimos ejemplos, pero por citar sólo unos pocos están Los tres días del Cóndor, El mensajero del miedo (ambas versiones), Syriana o Todos los hombre del presidente.

Y precisamente esta última es la que más podría relacionarse con la peli que vi ayer: Frost / Nixon. De hecho, casi hasta podría ser una secuela. Esta peli, dirigida por Ron Howard y protagonizada por Frank Langella y Michael Sheen, se centra en las entrevistas televisadas que el periodista y estrella mediática David Frost realizó a Richard Nixon, poco despues de que éste tuviera que renunciar a la presidencia. Más allá de lo hábil del guión (la peli, sorprendentemente, engancha desde el principio hasta el final), el trabajo de los actores protagonistas es absolutamente extraordinario, y lo relativamente desconocido de los hechos narrados hace que la historia asombre a los que aún no estabamos correteando por ahí en esas fechas.

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Ahora que han pasado un par de semanas desde el estreno de la esperadísima Ágora de Alejando Amenabar, y que ya se van callando las críticas más en caliente, ya puede uno sacar sus propias conclusiones. Les anoto las mías, por si interesa:

- La crítica más común a la peli es su frialdad y falta de conexión con el público. No entiendo muy bien la razón, porque no faltan las escenas plagadas de lirismo y emotividad. Las elipsis planetarias son absolutamente escalofriantes, así como la escena climática del final. Pudiera ser, si acaso, que la aparente falta de pasiones, ejem, mundanas por parte de la protagonista se considere una frialdad que empapa a la película, pero creo que los acontecimientos que la rodean aportan al relato la fuerza necesaria. Personalmente me parece una película realmente cautivadora.

- Luego, está la tontería esa de que es anti-cristiana y atea. Repito, es una tontería: la peli es un relato histórico con ciertas dramatizaciones de hechos concretos, pero por lo que yo sé de historia, no se exagera las actitudes y formas de actuación de aquellas primeras sectas cristianas. Sería como decir que La Lista de Schlinder es anti-alemana.

- Precisamente también se le acusa de ser históricamente imprecisa, pero no hay que olvidar es un producto artístico y de entretenimiento, no es un documental. Los hechos generales y el contexto histórico son ciertos y documentados, pero claro, Hipatia sale mucho más guapetona de lo que probablemente era, pero no parece justo que nadie se rasge las vestiduras por ello. Y lo que sí es cierto es que el personaje es tan interesante como sugiere la película: no en vano es la única mujer que se ganó el honor (extrañísimo para la época) de aparecer en el fresco de La Escuela de Atenas.

- A menudo Amenabar recibe ataque por todos los frentes de la crítica especializada y el onanista mundillo de los subvencionados, pero está claro que, siendo bastante jovencillo, ha demostrado una capacidad cinematográfica indudable, la habilidad para el tratamiento de géneros muy diversos y la extrañísima virtud de aunar vision artística con conexión con el público (y si no, ahí están las recaudaciones). Conclusión lógica: hay muchos envidiosos por ahí, así como muchos temerosos de perder el trono del elitismo cultural. Yo espero de veras que este hombre (junto con su inseparable Mateo Gil) siga ofreciéndonos productos de tantísima calidad, tanto técnica como narrativa, y que siga explorando nuevas facetas de su creatividad.

- Y por último, viendo su trabajo ¿no será la Weisz, junto con la Winslet, las actrices más sobresalientes del cine de los últimos años?

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No es que el cartel oficial del Malditos Bastardos esté mal, pero cuando alguien le encarga a un pedazo de artista como Tyler Stout una versión alternativa, sale algo tan bueno como esto. Algo más clásico, pero muy elegantón y con ese estillo a lo Indy, es esta otra propuesta a cargo de James Gooridge.

Y aunque hace tiempo que no me da por hacer de de crítico cinematográfico (principalmente porque cada vez me siento más incómodo haciéndolo), he aquí mi opinión sobre el último Tarantino: me parece la más depurada, interesante y redonda de toda su filmografía. Una obra clasicista hecha con una gran madurez narrativa. Lo cual no quiere decir que sea la peli más divertida de su filmografía: no me extraña que haya defraudado a más de uno, porque se aleja del frenetismo y el estimulante exceso que era Kill Bill.

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Pues nada, cuando hay que rectificar, se rectifica: el Beowulf de Zemeckis no está nada mal. Sigo pensando que los personajes realistas generador por ordenador tienen una pinta muy rara (¿será por el valle misterioso?), pero la peli es bastante correcta, entretenida y con algunos diálogos interesantes.

Eso sí, hay que ver la versión del director, que tiene más sangrerío y es más picantona.

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Uno de mis tebeos favoritos de-toda-la-vida, el Trazo de Tiza de Miguelanxo Prado, será llevado al cine, tal y como acabo de leer hace unos minutos en La Cárcel.

Con la experiencia acumulada por el autor con aquel interesantísimo De Profundis, el proyecto promete muchísimo. Y aprovechen ahora que aún se pueden encontrar ediciones económicas del tebeo, si aún no lo tienen.

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El blog (por llamarlo de alguna forma) Very Important Pixels sigue sacando su ración semanal de famosos pixelados. En su última entrega Kristof Saelen ha dibujado a unos cuantos directores de cine famosetes.

Si es que me entusiasma el pixel-art.

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Veamos un par de cosillas relacionadas con la cartelería artesanal de películas de terror:

Resulta que en el Ghana de los 80 el cine llegó a las aldeas rurales a través de equipos nómadas itinerantes, que funcionaban mediante cintas VHS, una tele y un generador de electricidad. En cuanto a la promoción de las películas, artistas locales pintaban carteles con total libertad creativa, y a menudo sin haber visto la peli en cuestión. Como resultado, estos carteles eran realmente curiosos y excéntricos. Curiosamente, parece haber una casi total preponderancia del género del terror, lo que le daba aún más alas creativas a los artistas.

En este artículo tienen más info y una pequeña muestra de este curiosísimo arte cinematográfico de Ghana.


El otro artículo que recomiendo hoy es más convencional, pero no por ello menos interesante: se trata de las dos recopilaciones de carteles de películas de terror que salieron en WellMedicated (Parte 1, Parte 2). Todo un despliegue de talento artístico y técnica plástica, al servicio del impacto visual y la inquietud. Son 200 carteles en total.

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Mucho se ha hablado sobre la prodigiosa capacidad visionaria del clásico de la Ciencia-Ficción Metrópolis, de Fritz Lang. Por si aún queda alguna duda del tremendo trabajo de creación visual que parió en los años 20 el equipo de la película, contemplen y admiren estos fotogramas restaurados que ofrece el blog But Does it Float.

Y moviéndonos aún en el expresionismo, regocíjense también con este extraordinario cartel de la película El Acorazado Potemkin, extremadamente depurado, en el que el simbolismo llega a cotas difícilmente superables.

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Cada año, inevitablemente, toca decir lo mismo: que si la última de Pixar es la leche, que si aún no la han visto están tardando, que si están por un lado las pelis de animación y por otro las de Pixar... pero es que esta gente sigue superándose. Especialmente desde Ratatouille, y por altas que sean las expectativas, siempre consiguen revolver y sacudir con imaginación, emotividad y ternura.

Pero bueno, dejando todo esto de lado, que habrán como mil millones de blogs por ahí contando lo mismo, quisiera dejarles un par de enlaces con curiosidades sobre la compañía del flexo:

1 - Aquí tienen un bonito diagrama que resume, más o menos, la trayectoria de Pixar desde que estrenaron Toy Story, señalando en dos líneas el hito más importante de cada peli.

2 - ¿Saben como se llama la magia visual que hay detras de cada peli de Pixel? Renderman. Se trata de un conjunto de productos y tecnologías que giran en torno al Renderman Interface Specification, algo así como una API para shaders. Y lo más flipante es que se puede comprar y usar sin ningún problema.

3 - ¿Y cómo se llama el alma de Pixar? John Lasseter, productor ejecutivo de todas las producciones, quien, a su vez es amigo personal de la leyenda viva Hayao Miyazaki, y quien dibujó al diablillo del BSD. Curioso, ¿verdad?

4 - No olviden pasarse por la web de Pixar, porque tiene algunas cosillas interesantes. Entre otras cosas la Artist's Corner, donde se pueden conocer los trabajos de algunos ilustradores y animadores; y la sección How we do it, donde los neófitos pueden aprender algo del noble arte de la infografía.

5 - Si en el cine donde han ido a ver Up no proyectaron Partly Cloudy, el maravilloso corto que la precede, lo tienen aquí, aunque en una calidad algo chunga y seguramente por poco tiempo.

Bonus - ¡Aja! ¡Lo sabía! Si uno busca por "LEGO" y "Pixar" salen cosas curiosas: Wall·E, la cosa a la que enchufaban las puertas en Monstruos S.A., Luxo.... ¡y Carl, el abuelete de Up! ¡Flipante!

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Desde ayer y hasta mañana se celebra en el CICCA de Las Palmas de Gran canaria (ahí al lado de la Alameda de Colón) el VII Ciclo de Cine Japonés. Para los que nunca hayan ido, suelen combinar géneros y autores, así como clásicos y desconocidos, para ofrecer una muestra que siempre suele ofrecer, como mínimo, algo interesante. Otras veces supone todo un descubrimiento.

Esta noche ponen el clásico entre los clásicos RAN, de Kurosawa, y mañana ponen Rikyu, de Hiroshi Teshigahara, que es una peli de 1989 protagonizada por un Maestro del Té. No, yo tampoco la he visto.

La entrada es gratuita, pero al menos la última vez que fui al ciclo, hace un par de años, la sala se llenaba, así que es conveniente ir con algo de antelación.

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Y es espectacular: HD TRON Legacy trailer

Compruebo, feliz, algunas cosas:

- ¡Jeff Bridges vuelve! Ahora sí que se puede ir a verla: ¿qué sería de Tron sin El Nota?

- Las motos de luz estarán ahí, más espectaculares que nunca. Otro sine qua non que se cumple.

- Steven Lisberger, alma mater de la peli original, estará como productor. Aunque no veo por ningún lado de la ficha técnica a Moebius. Tsch.


Pues nada, ahora sólo queda esperar que no hayan caído en la trampa de dejarse llevar por tópicos y lugares comunes (porque el que salga la palabra hacker en la sinopsis no pinta bien), y que tengan algo del onirismo y la épica de la original.

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El éxito del falso documental Borat demostró hace unos años la validez para una película de una premisa sencilla: mostrar, de forma cruda y con pocos aditivos, la reacción del hombre medio a la provocación más descarnada por parte de un tipo capaz de enfrentarle a sus prejuicios y tabús.

Ahora Sacha Baron Cohen vuelve a usar el mismo planteamiento en su Brüno, pero ahora el vehículo a explotar pasa de ser la xenofobia a ser la homofobia. Así como en la anterior la europa post-comunista era el objeto a exagerar y caricaturizar, ahora ocurre lo mismo con la comunidad gay y los diseñadores de moda. El resto es el mismo planteamiento: enfrentar a personajes conservadores con los excesos del personaje, y grabar el resultado, todo ello guiado por un débil hilo argumental que se limita a enlazar una situación con la otra.

Sin embargo, la comunidad Kazaja tiene mucha menos voz global que la comunidad gay, lo que unido a lo explícito de algunas imágenes hacen que la peli haya levantado aún más revuelo que la anterior.

Obviamente, no voy discutir que determinados colectivos gays se hayan sentido ofendidos por el contenido de la peli (aunque sí me parece raro que muchas críticas hayan sido vertidas antes del estreno), pero sí que pongo en duda que la peli pretenda ser un vehículo de homofobia: todo lo contrario, y especialmente por la gloriosa escena final, creo que hay una clara intención de iniciar un proceso de reflexión hacerca de lo que se demoniza y lo que se glorifica en la sociedad occidental. En la peli se muestra la (por otro lado comprensible) indignación del público del programa por un proceso de adopción más que discutible, mientras que se muestran otros padres, aparentemente respetables, capaces de permitir de todo para que sus niños se hagan famosos. También se muestra cómo la supuesta libertad sexual de algunos sólo es real mientras se pliegue a los cánones establecidos, y que la caridad de algunos sólo es una forma más de promoción personal.

Brüno, como era Borat, es una especie de juglar que tiene el derecho de sacar verdades, pero a diferencia de aquel, no sólo pertenece a nuestra sociedad, sino que es el resultado de nuestra sociedad, en la que todo, especialemente lo relativo al desarrollo personal, está condicionado por el funcionamiento de los engranajes de la sociedad de consumo. De forma irónica, Brüno es casi el producto definitivo del modelo de sociedad propuesto por los Estados Unidos, en donde la moral y la ética se dejan de lado para lograr el éxito de la imagen del individuo y satisfacer sus placeres más oscuros e inmediatos: y tal vez por eso resulta tan chocante.


De todas formas, incluso si la película careciera de cualquier otra intención que no fuese la de revolver y provocar, creo que sigue siendo válida, porque lo consigue. Y hoy en día, en un mercado del ocio dominado por la asepsia, el buenrollismo y el 3D, un buen revulsivo con gracia siempre viene bien.

Y si no, pues pasando...

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¿No está Coppola en una fase de franco delirio cinematográfico? Porque en su última película tanto la historia como el guión parecen hacer aguas por todos lados, a fuerza de hinchar tanto el globo.

Eso sí, desde un punto de vista puramente plástico, tiene un par de momentos brillantes, y un blanco y negro realmente logrado.

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Mucho se está hablando de la adaptación que está haciendo Tim Burton de Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll.

No es para menos: ya de por sí, el relato original tiene el surealismo, la ironía y los matices inquietantes suficientes como para hacer jugosas adaptaciones, como ha quedado demostrado ya en un par de ocasiones. Por otro lado, Burton tiene una gran reputación en aplicar con solvente éxito a relatos fantásticos su particular capacidad por lo visual y plástico.

Y sin embargo, aunque sea feo comparar, a mí me parece que las primeras imágenes promocionales de la película tienen mucho menos interés que las que tenían las imágenes publicitarias (como ésta, por ejemplo) de aquel videojuego absolutamente maravilloso que era American McGee's Alice.

Además: resulta que está en desarrollo su segunda parte (la del juego, me refiero), de la que ya se puede ver un arte conceptual en este articulillo. Probablemente intentan aprovechar el tirón de la peli de Burton, pero da igual: si tiene la imaginación de la primera parte, a lo que se sumaría la capacidad visual de las Next-Gen, la cosa puede ser la leche.

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No estoy demasiado seguro de que sean, tal y como dice quien los recopiló, del dominio público, pero el caso es que en este canal de YouTube pueden disfrutar de las versiones completas de unas cuantas joyitas cinematográficas, como el M de Fritz Lang o La Noche de los Muertos Vivientes, de Romero.

A ver si siguen apareciendo cosas de este tipo, que siempre es un placer volver a ver algunas escenas de buen cine clásico.

(gracias Mandelrot)

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Una chica conversa con su amante imaginario:

- If you really love me, then let's make a vow. Right here... together... right now. Ok ?
- Ok...
- All right, repeat after me... I'm gonna be free.
- I'm gonna be free.
- And I'm gonna be brave...
- I'm gonna be brave.
- Good... I'm gonna live each day as if it were my last
- Oh that's good...
- You like that ?
- Yeah...
- Say it.
- I'm gonna live each day as it were my last...
- Fantastically...
- Fantastically
- Courageously...
- Courageously
- With grace...
- With grace
- And in the dark of the night ,and it does get dark, when I call a name...
- When I call a name...
- It' ll be your name... What's your name ?
- ...
- Nevermind... let's go... say it.
- Let's go...
- Everywhere...
- Everywhere...
- Even though...
- Even though...
- We're scared...
- We're scared...
- Cause it's life...
- It's life...
- and it's happening, it's really really happening... right now...

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¡Ya está cerca el Up de Pixar! En el exquisito y pedantón mundillo de Cannes ha gustado mucho, así que la cosa promete.

Pero no nos precipitemos, que aún tenemos el agradable regustillo de Wall-E. Nada mejor para recordar aquella enternecedora historia de robots que echarle un vistazo a las fantásticas ilustraciones retro que el diseñador Eric Tan realizó para la ComiCon del 2007, y que pueden verse en la tienda on-line de Acme Archives Direct: tienen a Wall-E, EVE, M-O y a la Axiom.

Si les gusta el estillo de este chaval, pueden ver más cosas suyas en su blog, incluyendo un espléndido poster de Indiana Jones y la Última Cruzada.

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Porque uno nunca sabe en qué momento puede ser util saber este tipo de cosas:

- 2 partes de Vodka
- 1 parte de licor de café (lo ideal es el Kahlúa, al igual el Tia María también vale)
- 1 parte de leche entera, con nata o leche condensada.

Servir con hielo en vaso bajo y ancho (tipo de Nocilla).

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El sábado volvieron a echar por la tele Regreso al futuro. Sigue siendo una de mis sagas favoritas.

Por curiosidad, ¿saben que la compañía que fabrica los DeLorean, DeLorean Motor Company aún existe, y siguen fabricando el modelo que se ve en la peli? En realidad, es el único modelo que llegaron a diseñar.

Y lo que es flipante es que a través de esa página uno se puede pillar un DeLorean de segundo mano por menos de 20.000€. Teniendo en cuenta que cualquier coche de gama alta supera ese precio, no está mal, ¿no?

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De vez en cuando, ante tanta superproducción técnicamente brillante con guiones pulidos y revisados por la audiencia, una película tan fresca como You Cant't Stop the Murders, de Anthony Mir, se agradece mucho.

Se trata, básicamente, de una comedia negra con tintes surrealistas y estrafalarios, que se desarrolla en un pueblito en lo más profundo de Australia. Los tres protagonistas son también los guionistas, y de hecho la peli destila ese olorcillo a película de colegas ("oye, ¿y si hacemos una peli sobre tal cosa? - ¡sí si, sería la leche!") y esa desinhibición del cine realmente independiente.

El planteamiento no es nada nuevo: unos asesinatos en serie turban la tranquila vida de un pequeño pueblo, y ante la falta de resultado de los policías locales, llega desde la metrópoli un famoso detective para atrapar al cupable, y de paso revolucionar aun más la vida local. De hecho, la película es casi una parodia de todas esas películas de asesinatos tipo Copycat o Seven, a la que se incorporan personajes extraños, situaciones estúpidas y unas impecables escenas de baile folk en línea.

En definitiva: conociendo el tipo de propuesta de la que se trata y teniendo un cierto grado de tolerancia, la película es una magnífica propuesta de cine alternativo de coña. Y por cierto, aquí en España fue extrañamente rebautizada como Super Disco Killer (?).

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Cockburn - Eh... os habéis leido el guión, ¿no?
Lazarus (solemnemente) - Yo no leo el guión. El guión me lee a mí.

De Tropic Thunder, la película más divertida que he visto desde hace años.

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Pues nada, como ya dije hace unos cuantos días, voy a poner aquí algunos comentarios que he leído sobre la peli más comentada de las últimas semanas.

Empezemos por el comentario de Mandelrot, un conocido por estas páginas, cuyo análisis va especialmente dirigido a los que conocemos el tebeo:

"Yo he leído el cómic unas siete u ocho veces, me gusta mucho (no es mi favorito, prefiero por ejemplo Sin City o Ciudad de Cristal, pero éste también está en mi "top") y lo conozco bastante bien; como resumen en una frase para mí lo mejor sin duda de esta peli es que no estropea el placer de la lectura de la obra original.

»Si el cómic no existiera estaríamos hablando de una buena película: entretenida (oye, tres horas sin mirar el reloj a mí me parece un buen indicativo y todo un logro), estupendamente ambientada, visualmente muy rica y con todo lo que el espectador quiere cuando va al cine. La historia es consistente y funciona, el ritmo es todo lo animado que permite un guión tan cargado y los actores están entre "psé, suficiente" y "genial". Por poner algunos defectos, a los maquilladores habría que colgarlos del palo mayor del pueblo y en algunos casos -por ejemplo el de Nixon, hay otros- hacen incluso daño a la vista, y el doblaje no es bueno; pero además, el que para mí es el mayor error que uno puede cometer cuando adapta una obra de un medio a otro, han querido hacer la peli como el cómic. Y claro, por ejemplo algunos diálogos funcionarán en versión impresa pero en el cine pues no; las voces en off ya hace tiempo que están superadas y no quedan bien (lástima que esto no lo supieran con Sin City, qué dolor de cabeza después de media hora de recitado); y así algunos otros elementos que tampoco quedan bien en celuloide. ¿Puntos a favor? Para mí sin lugar a dudas la superactuación de Jackie Earle Haley como Rorschach (sólo por él hay que verla, yo lo volveré a hacer en VO), la ambientación y la construcción especialmente bien hecha de algunos personajes.

»Por cierto, una cosa que está bien saber: en la peli se comen más del 60% del cómic (y me quedo corto seguramente). Se echan de menos algunos momentos especialmente emblemáticos, y el final *no es* exactamente el del cómic. Pero como yo no soy un fundamentalista ni me va a dar un ataque epiléptico porque alguien ha tocado la biblia de Moore, resulta que cuando uno lo piensa fríamente esta solución me gusta (para cine) más que la suya...

»En fin, lo mejor de la peli es que no nos estropea el cómic para la próxima vez que lo leamos (así que yo la recomiendo, no vas a perder nada entonces) y lo peor es que han intentado ser demasiado fieles al mismo en muchas cosas sin darse cuenta de que el lenguaje del cine es distinto. Mi nota: 6 sobre 10, buena. Ah, por cierto: uno de tus lectores pensaba leer el cómic antes: no, hombre, no, primero te ves la peli y la disfrutas sin pensar en lo que no hay en ella, ¡y luego añades muchísimo más y disfrutas otra vez cuando ves la obra completa!

»Acabo con algunas notas al margen. Yo he escrito novela, cine, cómic, radio, anuncios y teatro (no sé si me dejo algo). Recuerdo que hace años me encargaron adaptar un cómic a radio: se llamaba "Aliens: salvation" y realmente hubiera sido difícil encontrar uno más difícil para hacer el trabajo. ¿Qué hice yo? Lo leí para entender la historia y hacerme con ella, entendí lo que el creador quería expresar y lo asumí como si el mensaje fuera mío, y después de eso me olvidé completamente del cómic y conté la historia como si fuera un guión de radio basado en una idea que se me hubiera ocurrido a mí o que me hubieran contado sin más. Le di una estructura narrativa completamente distinta porque era la que me pedía la historia adaptada al medio, utilicé los recursos de la radio como había que utilizarlos y "dibujé" las imágenes con las herramientas del sonido, y al final la historia funcionó perfectamente. Esto es como cuando una rubia de piel muy clara se tiñe de negro y queda como una morena evidentemente "empegostada", o cuando una morenaza se pone el pelo rubio y queda totalmente antinatural: cada una pierde lo mejor de lo que tiene su tipo de mujer para tratar de convertirse sin éxito en alguien que no es. Si coges una historia en un formato y te la llevas a otro "artificialmente" perderás la frescura del primero, y no podrás aprovechar todo lo que te da el segundo porque estarás limitado por las herramientas que en el primero no tenías. Las buenas historias nacen de la libertad creativa, sin lastre...

»En mi opinión el cómic supera muchísimo a la novela; entiendo que ésta tenga más prestigio por ahí por su historia, pero para mí lo más fácil de escribir es la novela, luego viene el cine, y luego ya el cómic es lo más difícil... Por ejemplo, en un relato tú puedes escribir "Fulanito miró a Menganito con tristeza, pensando en la frustración que le suponía pensar que nunca podría revivir lo perdido". ¿Cómo dices eso en cine? Te las tienes que arreglar para usar una frase, una mirada a una foto -por ejemplo-, un gesto de reacción... Vamos, para decir lo mismo tienes que romperte mucho más la cabeza y ser más sutil porque las herramientas son mucho más limitadas. Pero en el cine trabajas con un gran equipo de gente, está todo muy especializado y tienes mucha ayuda, y encima aún hay muchos más elementos a los que recurrir que en el cómic: allí un guionista, un dibujante y quizá un par de profesionales más (entintador, etc) tienen que hacerlo todo ellos solitos, y para decir lo mismo aún tienen que estrujarse más los sesos porque se trata de poner simplemente una "foto" detrás de otra. Es como conducir una bici con ruedas laterales (novela), sin rueditas (cine) o además sin apoyar las manos en el manillar (cómic)..."


Y ahora, enlaces a otros comentarios y críticas:

- El Blog Ausente (con el atrevido título de Watchmen en Kistch y Watchmen 2 será la rehostia)
- Incantations (que no la pone del todo mal. Gracias por el enlace)
- Moonfleet (en cuya segunda frase se afirma con rotundidad que es tostón)
- La cárcel de papel (que comparte, en muchos casos, opinión con Mandelrto)


Muchas gracias a todos los que han colaborado con este post.

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Este mes se conmemora un cuarto de siglo del estreno en cines de la película culto Spinal Tap, que para los que la desconozcan, se trata de un documental sobre el rodaje de una gira del grupo de rock heavy Spinal Tap.

Realmente ni la gira ni el grupo existen (al menos antes de la película), y realmente es una parodia sobre el mundo de la música en general, y los grupos heavys ochenteros en particular. Hay referencias a la iconografía del genéro y a nombres fundamentales de la música heavy, rock, pop y folk, como los Beatles, Yes, Metallica, Kiss y Led Zeppelin, por citar sólo unos pocos. El director fue Bob Reiner, quien a su vez interpreta al director del documental, e intervienen actores de culto como Christopher Guest o Harry Shearer, así como otros nombre más conocidos en pequeños papeles, como Billy Crystal o Anjelica Huston.

Puede que no sea la mejor película de su director, pero se ha ganado su condición de culto por derecho propio. Les recomiendo que le echen un vistazo y disfruten de su humor, a veces sutil y otras veces bestia, pero siempre muy fresco.

Les dejo con el vídeo del directo de Stonehenge y el comentario de AnRo en su blog.

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Recordemos al diálogo entre el cura y el protagonista de El Hijo de la Novia (Juan José Campanella, 2001). ¿Se pueden creer que hasta este fin de semana no había visto este tremendo monumento de película?


[Cura] - El matrimonio, además de ser un Sagrado Sacramento, es un contrato y como todo contrato tiene tres condiciones: Discernimiento, Intención no espúrea y libertad... Y bueno, lamentablemente... su madre no tiene discernimiento. [...]

[Rafael] - Pero, ¿Qué le va a decir a mi padre? ¿Le va a hablar de discernimiento a un hombre que sigue enamorado después de 44 años?. Honestamente padre, ¿Usted cree que las siete parejas que se vienen a casar aquí por sábado tienen discernimiento? No le dan ganas de decir a veces: "No chico, tu pareja no es lo maravillosa que vos crees que es", "Este tiene una cara de chanta infernal", "ella no va a ser tan comprensiva dentro de tres años"...
» ¿Por qué no me pidieron discernimiento cuando me casé? ¿sabe la mala sangre que me hubiera ahorrado? No, cuando me casé, víctima del amor, algo que ustedes trafican desde hace 2000 años, me recibieron con los brazos abiertos. Diez años después, en mis cabales y con un discernimiento espantoso, me quise separar y me dicen "ahora no, ahora no se puede".
»¡Por favor padre! ¿Ahora resulta que para ser católico hay que razonar? Mi mamá no razonaba cuando la bautizaron, pero en ese momento no importó, había que aumentar la clientela. El primero te lo regalan, el segundo te lo venden y después te borran.

- Nadie se borra y mucho menos la iglesia. Dios te acompaña a todas partes.

- Ya pero siempre pago yo, padre, por una vez podría invitar la casa.

- Hay una opción se llama "Casamiento en raíz", es un trámite que consiste en tratar la fecha de civil como comienzo de unión...

- Mi papá no quiere un trámite, padre. Lo único que quiere es cumplir el sueño de mi mamá que era casarse por la iglesia. ¿Cómo no se da cuenta? Es un acto de amor del que yo no soy capaz. Mire que flor de eslogan: "44 años de amor". Lo tendrían que poner en un póster en vez de darle la espalda.

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El otro día andaba yo sumido en mis intrascendentes pensamientos cuando, y sin saber muy bien porqué, me asaltó una curiosa reflexión: ¿Porqué, con tantas estúpidas e insensatas adaptaciones cinematográficas, nadie se ha atrevido con el legendario himno cyberpunk que fue la novela Neuromante, de William Gibson?

Está claro que no sería fácil, pero el libro tiene un componente cinematográfico innegable, y esos maravillosos pasajes en los que Case navega por el Ciberespacio (concepto que, por cierto, aparece por primera vez en este libro) podrían traducirse de forma preciosa en imágenes con la tecnología actual. Además, el gigantesco componente visionario de la novela (no olvidemos que se publicó hace precisamente 25 años) le confiere hoy una actualidad y frescura enormes.

El caso es que me puse a investigar un poco, y resulta que hubo un proyecto de adaptación, a cargo de nada menos que Chris Cunningham, creador visual donde los haya. Incluso contaba con la bendición de Gibson para ello. Pero, tristemente, aquel proyecto se quedó en nada, y ha tomado el testigo Joseph Kahn, el director que firmó esa cosa sobre motos llamada Torque. Parece ser que se estrenará en el 2011.

En fin. Aun así habrá que ir a verla, y tener la esperanza de que el Cyberpunk, ese sub-género de culto tan maltratado como fascinante, renazca en toda su (oscura) gloria.

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Lleva ya cosa de un mes en cartel, así que muchos habrán visto ya Revolutionary Road, pero aun así me apetecía comentarla brevemente.

Reconozco que la película lo tenía fácil para que me gustase, dada mi admiración por la Winslet y mi preferencia por ese cine crudo de pocos personajes y exploración de los sentimientos. Aun así me impresionó la disección que el Mendes (que tipo, este Mendes) hace con temas tan tratados con anterioridad como son la rutina de la pareja, los sueños frustrados, la decepción de la mediocridad y la absorción por el establishment.

No quisiera extenderme con la trama ni detalles del argumento, pero sólo quisiera animar a verla a quien no lo haya hecho aún, absorbiendo cada diálogo, contemplando cada matiz de las interpretaciones y empatizando con los personajes. Se descubre así que las situaciones y los personajes no son tan lejanos en tiempo y lugar, y que la búsqueda de la felicidad, a veces, puede estar llena de trampas.

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¿Recuerdan la desternillante versión turca de La Guerra de las Galaxias? ¿y la de Superman?

Pues ahora mi coleguilla Antonio ha conseguido encontrar la versión turca del Mago de Oz y la de E.T.

Tremendo.

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Hay una vieja leyenda urbana por la que El Rey León de Disney es, en gran medida, un plagio de un proyecto de Osamu Tezuka (quien podría considerarse el padre del estilo manga, tal y como lo conocemos). Pues no es leyenda urbana.

Sin duda, El Rey León es una gran película en muchos aspectos: algunas escenas son acojonantes, y contribuyó a darle una pátina de dignidad al cine de animación, abriendo el camino a proyectos mainstream más serios. Pero una cosa no quita la otra: hay tantísimas coincidencias con el proyecto Kimba the White Lion de Osamu Tezuka que todo hace pensar que nació como un remake, pero que finalmente se desarrolló como una obra independiente de cara al público, ninguneando la obra precedente.

Pueden ver la comparativa entre ambos filmes en esta reveladora página de Craig Andersen, en la que se comparan fotogramas y se aportan documentos y testimonios. Las conclusiones son bastante obvias.

No se trata de subvalorar el filme de Disney: se trata de colocar al estudio de Osamu Tezuka en el lugar que se merecen, y acreditarles como los creadores del punto de partida de una de las películas fundamentales de la historia del cine de animación.

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Ahora que empieza a haber cierto revuelo por las webs con eso de Terminator 4, vamos a recordar un curioso caso de esos de plagio o inspiración (según se quiera entender) que ocurrió con el poster promocional de la serie Terminator: The Sarah Connor Chronicles.

Éste es el poster promocional. Y ésta es una imagen digital creada por el artista Benedict Campbell. Parecidos razonables, ¿no?.

Me parece especialmente curioso el casto estilismo que le han hecho a la chica del poster de la peli para que no cause revuelo por parte de fanáticos mojigatos. Una lástima, porque al forzar tanto el tapado de tetas le da un aire algo estúpido a un cartel que, por otro lado y dejando de lado el tema del plagio, es cojonudo.

Por cierto, el Campbell tiene otras imágenes realmente soberbias que pueden ver en su web.

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Hace años ya que Miguelanxo Prado es todo un nombre en el mundo de los tebeos: sus Trazo de Tiza, Quotidania Delirante y Fragmentos de la Enciclopedia Délfica son tres ejemplos de su enorme capacidad para abordar con éxito géneros diversos, siempre demostrando una grandísima capacidad plástica.

Pero De Profundis, su última obra (o al menos, que yo sepa), no es un cómic: es una peli de animación, creada por completo a partir de ilustraciones de Miguelanxo, con una animación bastante elemental (transformaciones planas, pequeños morphings, algo de CGI...) y una espléndida banda sonora a cargo de Nani García.

La historia, contada enteramente mediante las ilustraciones y la música, narra una fábula de hombres de mar, criaturas subacuáticas, tormetas y amores imposibles. Aunque pueda costar entrar en la propuesta del autor por lo inusual (en cierta forma, pesa mucho el mundo comiquero del que procede, y condiciona mucho el ritmo de la película), desde el momento en el que uno se adapta y comprende que es una película distinta, se empieza a disfrutar de la sensibilidad y delicadeza de la obra.

Una oportunidad maravillosa para disfrutar de la obra de uno de los grandes artistas del mundo del cómic y la ilustración, y sumergirse en un mundo fantástico, dejándose llevar por una música sugerente y, en ocasiones, realmente emocionante.

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En el cine se ha narrado unas cuantas veces la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos de la minoría afroamericana, pero pocas veces una película de gran distribución se ha retratado la crónica de la lucha por la igualdad del colectivo Gay en el país más ultraconservador del hemisferio occidental. Sólo por eso ya produce curiosidad la peli Mi nombre es Harvey Milk. Pero si a eso le unimos la dirección de Gus Van Sant y el protagonismo de Sean Penn, todo pintaba a que iba a ser una gran película.

Y en efecto, lo es. O al menos a nosotros nos gustó mucho. Se trata de una crónica que arranca con la llegada de Harvey Milk al barrio de Castro de California, que poco a poco se iría convirtiendo en un punto de encuentro para los homosexuales de la región. Su cargo simbólico de Alcalde del Castro le anima a iniciar una carrera política que, con luces y sombras, acabaría convirtiéndolo en una auténtica leyenda. Obviamente, por el camino se encontrará con retrógrados, reaccionarios y ultras que intentarán dinamitar su gigantesca campaña por los derechos civiles y la igualdad. Resulta realmente sorprendente conocer las terribles leyes en contra de los homosexuales que tenían vigencia en los EEUU hasta hace apenas 25 años, y hace reflexionar sobre las gigantescas transformaciones sociales y culturales que han tenido lugar recientemente, aún cuando estén por completarse.

Desde luego, una de las cosas que más llaman la atención de la peli es la impresionante interpretación del Penn, pero no hay que olvidar el excelente trabajo técnico que se ha realizado para recrear la estética de la época, incluyendo la textura y el look & feel de la imagen misma. Los secundarios también están a la altura de las circunstancias, y se evita el sentimentalismo, el morbo y el efectismo, a pesar del riesgo que se corre con una historia de esta naturaleza.

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Hace ya un tiempo que se publicó en Smashing Magazine esta selección de 25 cortos de animación. Aunque son de naturaleza muy diversa, tanto en técnicas como en temáticas, a todos les une una gran creatividad.

Les aconsejo echar un vistazo a los que les resulten más atractivos (hay descripciones y categorías para cada vído), porque probablemente acabarán encontrando algo que realmente les emocione y les inspire.

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Hace poco un buen amigo me recomendó Escondidos en Brujas (In Bruges), una película protagonizada por Colin Farrel, Brendan Gleeson y Ralph Fiennes. Se estrenó en España sin mucha repercusión, pero crítica y público la han aclamado y, a juzgar por la carrera de premios y nominaciones que lleva, probablemente tendrá presencia en los próximos Oscar. El director y guionista, Martin McDonagh, es un recién llegado a la industria (anteriormente sólo había dirigido un corto), pero empieza a tener cierta notoriedad por este trabajo.

¿Y porqué tanto revuelo con esta película? Pues porque es cojonuda. Se trata de una especie de thriller simbólico y poético en el que dos sicarios deben pasar unos días en Brujas (Bélgica) tras finalizar un trabajo. Allí conocen a ciertas personas y pasan ciertos acontecimientos, que es mejor no desvelar. La peli tiene trazos de comedia negra y notables influencias de los clásicos (de hecho hay una clara alusión a Orson Welles y su Sed de Mal), así como una referencia constante al folklore europeo de la Edad Media más tenebrosa y espiritual. El escenario de Brujas, desde luego, no fue escogido simplemente para hacer bonito: en realidad la ciudad es casi un personaje más. El trabajo interpretativo del trío protagonista es excepcional, pero también los técnicos y el músico (el siempre elegante Carter Burwell) hacen un trabajo sobresaliente.

En resumen: una de esas películas notables, rotundas y que, tras verla, te deja ese regusto a cine sólido y profundo.

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Este fin de semana vimos La Dolce Vita.

La leche. Se entiende que aquí en España no se estrenase hasta el 81 (más de veinte años después de que Fellini la acabase), cuando Franco ya estaba muy, muy flaco.

Échenle un vistazo, que seguro que les sorprende, pero presten atención, que tiene símbolos por todos lados.

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Imagino que los hermanos Wachowski contaban ya con un inmenso margen de confianza de los estudios al haber concatenado el gigantesco éxito comercial de la saga de Matrix con la adaptación de V de Vendetta, de notable éxito económico y crítico (aunque yo insisto que la peli es terriblemente descafeinada con respecto al tebeo original). Porque esa confianza es la única explicación a que obtuviesen financiación para el proyecto Kamikaze de adaptar el anime de Hiroshi Sasagawa Speed Racer, que a su vez se basa en el manga de de Tatsuo Yoshida Mach GoGoGo.

Y digo proyecto Kamikaze porque la peli es un auténtico desvarío narrativo y visual, que recibió varapalos críticos por todos lados y que ni siquiera logró la recaudación económica que al parecer esperaba (?) la productora. Aquí en España, donde se estrenó hace cosa de medio año, fueron a verla cuatro gatos, y el número de estrellitas que le pusieron los críticos fue bastante lamentable.

Pues bien. A mí me ha gustado.

Y ahora, si aún me queda algún lector, déjenme explicarme y matizar: la peli, realmente, adolece de numerosos problemas, como los irritantes personajes de Spritle y el mono (si, el mono) o lo tópico y manido de la mayoría de situaciones y caracteres, pero también creo que fue muy incomprendida y vista bajo un prisma muy reduccionista. Creo que muchos críticos no entendieron la intención de los Wachowski, que no fue otra (aparte de la de ganar dinero) que hacer un homenaje muy personal a la cultura pop de los animes setenteros recuperando situaciones, texturas y colores (sobre todo colores) habituales en el género, muy a la manera de Tarantino y su enorme compendio de homenajes y referencias que era Kill Bill. A este revival sentimental le añadieron referencias al mundo actual del automovilismo, como la parafernalia corporativista y high-tech, y para terminar le dieron ese toque a lo Autos Locos que tiene tanta coña.

Evidentemente, uno no se puede tomar en serio esta peli. Hay que dejarse llevar un poco por lo excesivo, lo efectista y lo primario, e intentar que las estúpidas apariciones del puñetero Spritle no nos fastidien la increíble diversión que tienen las escenas de carreras. A poco que uno se deje llevar por la propuesta, se logra disfrutar bastante de las peripecias planas y predecibles del protagonista, gracias a un montaje delirante y frenético y un uso particular y sin complejos de la música y los gráficos CGI.

En resumen, bajo mi punto de vista, merece la pena echarle un vistazo y darle algo de confianza a este enorme desvarío tecnológico. Sobre todo si se ve con chavales.

Y a modo de reflexión final: ¿cómo puede seguir saliendo tan guapa la Sarandon a sus 60 años? ¿Será que los 120 millones de napos que costó la peli se lo gastaron en maquillaje y liftings? Quisiera mejor pensar que, realmente, es cuestión de envejecer con estilo.

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Las coñas y chorradas habituales de la sección de los viernes dejan lugar para otra de esas maravillas que sólo Pixar sabe crear. Se trata de un corto que nace de Wall·E, esa obra que está encabezando las listas de lo mejor del 2008 que están apareciendo por todos lados a medida que se acaba el año.

La historia del corto, Burn·E, transcurre de forma paralela a la acción de la película y cuenta los esfuerzos de otro robotillo de la nave Axion para reparar un cachirulo del fuselaje.

Aparece originalmente como complemento en el DVD, pero también pueden verlo hoy aquí. No sé durante cuanto tiempo estará disponible: en el Youtube retiraron la versión de alta calidad hace poco, imagino que por presiones de la distribuidora, Disney.

Es bastante conveniente haber visto previamente Wall·E, aunque, en realidad, hay otros millones de motivos para haber visto ya la emocionante historia del robot recolector y su Eva.

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La Criterion Collection es una desconocida por estas latitudes, lo que es una auténtica lástima al ser el sueño de cualquier connoisseur del cine: una colección de ediciones en DVD (y ahora también en BluRay) de clásicos de cualquier época en la que se tiene un extremo cuidado en los detalles, el formato, la restauración y el diseño. En contra de lo habitual en USA, desde el principio hicieron uso del letterbox para respetar el formato panorámico cinematográfico (en lugar de la ignominia aberrante que es el Pan&Scan), y fueron pioneros en la inclusión de contenido extra.

Muchas veces también reelaboran las portadas, habitualmente con un gusto exquisito. Pueden ver una excelente muestra en esta galería, donde pueden recrearse con maravillas como la acojonante portada de Yojimbo o la de Traffic. En realidad, todas son estupendas: posiblemente es la mejor colección de portadas de cine que he visto en mi vida.

Por cierto, la galería está dentro de la web WellMedicated, a la que les aconsejo dedicarle atención si les interesa cosillas del diseño gráfico y la culturilla pop.

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¿Y si Lucas fuera de la generación de Fritz Lang o D.W. Griffith? Tal vez su Star Wars hubiera tenido este aspecto. Imprescindible tener los altavoces activados.

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Con asombro y estupor me entero a través de Anchiano de que Alejandro Jodorowsky está liado con una peli en la que asumirá tareas de guión y dirección: King Shot. Y el muy grande David Lynch figura como productor ejecutivo.

Por si no les suena, Jodorowsky es un señor chileno que ha hecho de todo: literatura, cine, teatro, cómics y psicomagia, entre muchas otras cosas. Es el autor, junto con Moebius, del que para mí es el segundo mejor tebeo de la historia: la saga del Incal (¿que cual es el mejor? sin duda el Palomar de Beto Hernandez). Curiosamente, avanzó mucho un proyecto inacabado de adaptación de la novela Dune, gesta que sí culminó, con no pocas tribulaciones, David Lynch.

Jodorowsky y Lynch, por fin en equipo. Que cosas. Ah, y Santiago Segura está en el reparto.

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Además de la aberración que supone la puñetera adaptación cinematográfica de Watchmen, ahora resulta que también habrá videojuego oficial basado en esa ignominia fílmica.

Sigh. Esperemos que a Alan Moore (creador de todo aquello que es elevado y bueno) no le hayan llegado noticias de esto. Teniendo en cuenta su reacción a la adaptación dirigida por ese fulanillo Snyder (cito textualmente lo que dijo: no pienso ir a ver esa puta mierda), no creo que le haga mucha gracia el tema del videojuego.

Y que conste que yo no tengo nada en contra de adaptar de un medio a otro, siempre y cuando tenga sentido, más allá del económico.

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Con ciertas reminiscencias de Portal, bastante calidad técnica y mucha coña negra. Es el corto de poco menos de tres minutos The Black Hole.

Si les gusta, en el canal tubero Future Shorts pueden ver buenos cortos hasta la hartura.

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Ya hay título, argumento e imágenes de la nueva peli del mítico estudio de infografía Pixar (Ya saben, los de Nemo, Wall·E y Ratatouille).

La nueva creación de estos gigantes se llama Up, y parece que la protagoniza un señor de 70 años que viaja por el planeta con su casa volante, luchando contra gente mala y viviendo aventuras. Muchos dicen que está directamente inspirada en El Quijote, y el guión es de Bob Peterson, autor del argumento de Buscando a Nemo, o sea que la cosa promete.

Afotos de la peli y datos adicionales en la web de la IMDB. Seguramente la veremos en pantallas en verano del 2009, así que paciencia.

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Como sé que hay mucha gente de unos 30 años leyendo este blog, al igual les hace gracia este tráiler que han hecho fanáticos del mundillo de Masters of the Universe (ya saben: los dibujos de los años 80 en los que salían He-Man, Skeletor y toda esa peña rara), y que tal vez precede a una auténtica fan-movie (y que al igual corre la misma suerte que la fan-movie de Dune hecha por unos malagueños, que los herederos de Frank Herbert prohibieron distribuir)

Desde luego, el trailer tiene mejor aspecto que aquel bodrio de finales de los 80 que protagonizó Dolph Lundgren y una jovencita Courtney Cox (sí, la Mónica de Friends).

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Hay mucha gente por ahí que adora la infravalorada e incomprendida adaptación de la novela Dune que hizo David Lynch allá por 1984, y que les alegrará saber que han sacado una nueva edición en DVD.

Se trata de un coqueto estuche metálico (con la portada que se usó en España, no la de las dos lunas, mucho más bonita) con 2 DVDs, que incluyen la versión de-toda-la-vida, la extendida de 170 minutos y unos cuantos contenidos documentales extras, entre los que encontramos un glosarios, el making-of, diseños preparatorios y más cosillas chulas.

Lo mejor: cuesta unos 12€ malparidos. Impecable.

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Hoy, un breve repaso a diversos productos culturales que han estado, de una manera u otra, relacionados con mi fin de semana:

- Cine: Quemar respués de leer. Tras el paréntesis que supuso No es país para viejos, la nueva peli de los hermanos Coen recupera temas que son constantes en las obras de estos creadores, así como algunos de sus actores habituales y el humor surrealista característico de sus guiones. Muchos reconocerán algunos conceptos planteados en Fargo y algunos detalles de LadyKillers, pero la película es totalmente original, parodia de forma muy divertida al cine tipo Bourne y tiene uno de los finales más arrolladores que recuerdo en mucho tiempo. Ya sólo por los personajes y las interpretaciones de Brad Pitt y J.K.Simmons merecería ir a verla.

- Tebeos: reediciones de Muerte: lo mejor de tu vida y Muerte: el alto coste de la vida. Ya he dicho aquí varias veces que la serie Sandman de Neil Gaiman es uno de los mejores tebeos que se han escrito (el motivo está explicado aquí). Uno de los personajes, la Muerte, personificada como una adolescente gótica especialmente encantadora y carismática, ganó tanta popularidad que en los años 90 el autor le dedicó dos spin-offs que, especialmente en el caso de lo mejor de tu vida, gozaron de un inmenso éxito crítico y comercial.
Pues este fin de semana he tenido la inmensa sorpresa de ser obsequiado con las nuevas ediciones de estas obras, que incluyen contenidos adicionales, las introducciones escritas por dos mujeres a las que respeto profundamente (Tori Amos y Claire Danes) y una encuadernación de lujo. En definitiva: unas obras excepcionales, imprescindibles para cualquier comiquero.

- Libros: La conjura de los necios, de J.K.Toole - Hace cosa de un año que me regalaron este clásico de los años 60 (reconocido con Pullitzer a principios de los 80), y recientemente me ha dado por echarle un vistazo, sin saber muy bien lo que me esperaba. Resulta que es realmente extraordinario: una devastadora crítica global a la civilización occidental que usa como vehículo las peripecias vitales de un chaval mimado, obeso, pretencioso y absolutamente insoportable, cuyas ínfulas de superioridad revelan algunas de las paradojas y falacias presentes en los sectores más educados y preparados de la sociedad, y que en teoría están llamados a adoptar las mayores responsabilidades del sistema. Lo que más acojona de la novela es la actualidad que sigue presentando, especialmente en la coyuntura actual.

- Serie: The Wire. No he visto ni un capítulo, pero tengo la primera temporada enterita en DVD. Dicen por ahí que es la mejor serie que se ha emitido por la tele, y se ha convertido en un auténtico objeto de culto. Por lo pronto, los antecedentes de los creadores y la sinopsis prometen, y el sencillo subtítulo (escucha atentamente) me resulta bastante inquietante. Así que no tardaré en verla y reflejar aquí mis impresiones.

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Aunque prestar su voz a aquel coche de policía de Cars fue su último papel, la última vez que vimos la carismática presencia del recientemente fallecido Paul Newman en la gran pantalla fue en Camino a la Perdición, de Sam Mendes.

No he conocido a nadie que haya visto esa película y no le haya gustado. Es todo un ejemplo de cine sólido, sin fisuras y en el que todos los elementos están perfectamente elaborados y conjugados para construir una película emotiva y memorable. Como era de esperar, Paul Newman hizo un papel inmenso, pero como también lo fueron las interpretaciones de Tom Hanks, Jude Law, Daniel Craig, Tyler Hoechlin, Stanley Tucci y prácticamente todos los demás.

Un hecho menos conocido de esta película es que se basa en un tebeo de finales de los 90, escrito por Max Allan Collins y dibujado por Richard Piers Rayner. Esta adaptación me recuerda a lo que una amiga traductora me dijo que se tiene que hacer al pasar un texto a otro idioma: traducir las ideas, y no las palabras. En lugar de hacer esa estupidez que está tan de moda de "poner las viñetas en movimiento", los autores de Camino a la Perdición tomaron la esencia del material original y construyeron una película usando el lenguaje y los recursos propios del cine, que son totalmente distintos a los del tebeo. Y el resultado es una cosa maravillosa, que dignifica aún más al material original. Ojalá todos los que adaptan un cómic hicieran lo mismo.

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No hace mucho apareción por este blog una galería de posters bielorusos de películas americanas, que eran, en general, bastante cutres.

Ahora lo que he descubierto (vía DarkRoastedBlend) es una alucinante galería de posters polacos de películas muy conocidas, principalmente de los 80. Estos carteles no tienen nada que ver con los que conocemos, y a diferencia de los de bielorusia, son en su mayoría un despliegue de imaginación, creatividad y diseño. Merece la pena echarle un vistazo, o incluso jugar a adivinar la película que anuncia.

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En mi opinión, el cine supercomercial estadounidense es como los perritos calientes y la Cola, que si se consumen con mucha moderación pueden acompañar a una dieta de frutas, verduras y cosas sanas. Es decir: no pasa nada por ver de vez en cuando una peli previsible y con lugares y personajes comunes, si es simpática y tiene algunos momentos dignos de recordar.

Es el caso de Tú la letra y yo la música, que vimos este fin de semana. Es una comedia romántica al uso, sin mucha trascendencia, pero que tiene bastante gracia y un comienzo rotundo: este falso videoclip protagonizado por el duo de música pop con el que el personaje protagonista conoció el éxito en los 80, justo antes de ser eclipsado por el éxito en solitario del otro componente. Hay que reconocer que estos tipos han hecho excelente trabajo de recreación del estilo ochentero, hasta en los más pequeños detalles.

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Por si no fuera suficiente obscenidad hacer la peli de Watchmen, ahora leo en la Cárcel que tienen pensado hacer una secuela. Que supongo que luego se convertiría en una trilogía.

Dios mío. A ver si el supercolisionador se arregla y fabrica un agujerillo negro bajo las patas del director y los productores.

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Si descartamos a la elección que parece más lógica, que es Oliver Stone, parece que Steven Soderbergh es uno de los directores estadounidenses más apropiados para abordar un proyecto tan comprometido como una crónica sobre la Revolución Cubana centrada en la figura de Ernesto Ché Guevara.

Y el resultado parece confirmarlo: Ché, el argentino, es una estupenda película a medio camino entre el género documental, film bélico y biopic. Se retratan con bastante realismo los acontecimientos sucedidos en Sierra Grande y Santa Clara, a los que se les intercalan fragmentos de diversos discursos y entrevistas del Ché, ya en su faceta de representante del nuevo gobierno cubano. La revolución se cuenta a través de anécdotas y fragmentos de la vida cotidiana de los guerrilleros, junto con escenas, rodadas de forma más convencional, de las diversas acciones armadas.

Posiblemente el mayor reto de una película de este tipo es el enfoque de un personaje tan terriblemente carismático y polémico como el Ché, que para muchos es el prototipo de idealista romántico y para otros un militar sobrevalorado, narcisita y manipulador. En la película se opta por retratar, de forma clara y precisa, los actos y parlamentos que mejor definen al personaje, sin entrar en valoraciones. Obviamente, seleccionar aquello que se retrata supone una cierta subjetividad y en este caso se aprecia una simpatía por las facetas más idealistas, apasionadas e incorruptibles del Ché, pero tampoco se dejan de lado aspectos más discutidos, como su clarísima determinación a la opción armada para derrocar a Batista frente a otros métodos más pacíficos o el uso del fusilamiento para impartir justicia.

En general, la película logra con muchísima eficacia mostrarnos un pedazo trascendental de la historia, y acercarnos a uno de los protagonistas indiscutibles de las profundas transformaciones políticas y sociales del siglo XX. Y con ese estilo visual y narrativo que tiene el Soderbergh, y que tanto me gusta.

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Si tienen un rato libre, échenle un vistazo al corto de animación Android 207, que tiene bastante interés. Si les gusta, tienen más de los autores en Carrotkid Films.

La atmósfera me recuerda bastante en el tremendamente inquietante videojuego experimental MondoMedicals, aunque supongo que es puramente casual.

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Ahora que se habla de Watchmen hasta en El País, esta soberbia imagen resulta bastante apropiada para relajar tensiones entre puristas y pro-Snyders. Y hay muchas cosillas más simpsoneadas en SpringfieldPunx.

(vía La Carcel de Papel)

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Ya sé que lleva un par de semanas en cartel, pero no podía resistirme a comentar mis impresiones de la película que parece que va a despedazar cualquier tipo de record de recaudación.

Empezemos por las fuentes: a pesar de las coincidencias en el nombre, la peli no se basa en el tebeo El Regreso del Caballero Oscuro de Miller. En realidad, sus fuentes de inspiración más claras son La Broma Asesina y El Largo Halloween, aunque la historia, básicamente, es original a la película. Y por si alguien todavía está confuso, no tiene conexión con la primera Batman, aquella en la que Nicholson interpretaba al Joker, porque pertenece a la segunda serie de películas sobre el personaje que se inició con Batman begins, y que supuso un reinicio de la saga.

El Caballero Oscuro es, bajo mi punto de vista, la película más compleja que se ha hecho sobre el personaje, y también la más grave y oscura (en el sentido narrativo y emotivo, y no en el estético, como podría ser Batman Vuelve). Los personajes son tratados con más profundidad, el uso de la música y los efectos sonoros es especialmente crucial, y el diseño de producción, siendo menos barroco y efectista, permite centrar la atención en la historia y los personajes. El relato, básicamente, vuelve a explorar las omnipresentes ambigüedades morales que encarna el protagonista, y las confronta con las de la sociedad, usando al Joker como un vehículo perverso de este enfrentamiento ético.

Y mucho se ha hablado precisamente acerca del Joker que crea Heath Ledger, especialmente comparándolo con el de Jack Nicholson. Aunque inevitablemente tienen elementos en común, el de Ledger es mucho más salvaje y sucio (en todos los sentidos), y probablemente supone una puesta al día muy parecida a la que supuso el del primer Batman con respecto al de las series (interpretado por César Romero). En cuanto a Harvey Dent, su tratamiento está en las antípodas de la caricatura de personaje que interpretó en su día Tommy Lee Jones en aquel horror que se llamaba Batman Forever. En mi opinión, otro acierto es la sustitución de Katie Holmes por Maggie Gyllenhaal, musa indie y actriz con mucha más personalidad. Y que curiosamente es la hermana de Jake Gyllenhall, pareja de Heath Ledger en la peli Brokeback Mountain.

En resumen, hay unas cuantas escenas absolutamente memorables, y el conjunto vale el (desorbitado) precio que cuesta hoy en día una entrada de cine.

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Parece que la adaptación al cine de Watchmen que está preparando Snyder (el único director que conozco, aparte de Rappel, que se llama a sí mismo "visionario") corre peligro: tal y como informa Álvaro Pons desde su cárcel de papel, la ultraconservadora FOX ha pedido ante la justicia que se paralice el estreno porque, parece ser, tiene una opción sobre los derechos para hacer una adaptación desde finales de los 80.

Quien sabe: si esto acaba siendo así, al igual entonces los que iban a verla al cine piensan bueno, pues entonces me leo el tebeo, y van y descubren todo un mundo nuevo y maravilloso. Pero bueno, imagino que lo que ocurrirá es que la productora del visionario le dará un flejellón de dólares a la Fox y tan amigos.

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Desde que ví las primeras imágenes de Wall-E, hace ya casi un año, quise ir a verla: un robot, con pinta anticuada y diseño tosco, miraba el cielo con una extraña expresión, a medio camino entre la fascinación y la esperanza.

Lo que no esperaba era que la película fuesen 98 minutos de éxtasis narrativo, cinematográfico y visual. Especialmente la primera mitad, en la que los diálogos prácticamente no existen y los escenarios y personajes se reducen a lo mínimo, es uno de los fragmentos más memorables que he podido presenciar en el cine. Aunque luego el concepto derive por unos derroteros más convencionales, el resultado sigue siendo una de las películas más hermosas que nos ha brindado la casa del flexo. Tal vez no sea de extrañar si tenemos en cuenta que la historia, el guión y la dirección corren a cargo de Andrew Stanton, uno de los tipos más respetables de Pixar y responsable de aquella maravillosa Finding Nemo.

Aunque la película puede ser vista como una hermosa historia de amor y aventuras protagonizada por unos personajes absolutamente encantadores, también se puede gozar de una lectura más profunda si nos fijamos en la múltiples referencias literarias y culturales en las que se inspira: bebe de las fuentes de la Space-Opera clásica de la edad de oro de la Ciencia Ficción (la de Asimov, Ballard, Clarke, Scott Card y toda esa buena gente), matizada por el post-apocalíptico y la distopía. Además de clarísimas alusiones a clásicos del género, como 2001, Star Trek y Blade Runner, me vinieron a la memoria la saga de la Fundación de Asimov y la extraña película Idiocracia.

Pero Wall-E, más allá de sus fuentes, es una obra terriblemente original, con la que Pixar alcanza unos niveles de expresividad, ternura y emotividad pocas veces vistos en una película, ya sea de infografía o de imagen real (o, como sorprendentemente ocurre aquí, de infografía con pinceladas de imagen real). La creatividad y habilidad narrativa y plástica se mantiene hasta el final, con una secuencia de créditos en la que los autores despliegan toda su habilidad artística y visual.

Y por último, es necesario mencionar al divertidísimo cortometraje previo a la película: Presto, una pequeña joya con una fuente de inspiración realmente sorprendente: ¡el videojuego Portal!

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...que se estrena WALL-E, de Pixar (repito, de Pixar, no de Disney. No confundamos autoría con distribución y explotación). Y parece que es de las mejores de Pixar, que es decir mucho.

Prometo comentario mañana.

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Esta historia ha pululado muchísimo por la blogosfera, pero es demasiado curiosa como para no repetirla aquí.

¿Recuerdan el cartel de la peli El Silencio de los Corderos? Mostraba un primer plano de un rostro algo desdibujado, con una mariposa de la especie Acherontia atropos en la boca. Esta mariposa, que juega un papel destacado en la película, se caracteriza por tener un patrón en su cuerpo que recuerda poderosamente a una calavera.

Sin embargo, si nos fijamos bien, la calavera que aparece en el cartel es en realidad un grupo de mujeres, procedente de una composición fotográfica concebida por el artista Salvador Dalí.

En este artículo pueden verlo con mucha más claridad. Curioso, ¿verdad?

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"I'm never going to watch this fucking thing"

Fue durante una entrevista con el fanzine de tebeos británico Tripwire. Se entiende si recordamos que la adaptación la hace el Snyder, autor de aquella cosa con espartanos que se empeña en decir que es una peli.

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A través de La Cárcel de Papel acabo de ver el trailer de la nueva peli de Frank Miller: "The Spirit", que es la adaptación del tebeo más famoso de Will Eisner, el Gurú Supremo del mundo de los cómics.

Sé que a veces peco de purista en el terreno de los tebeos y sus adaptaciones (aunque lo de 300 y Watchmen no es purismo: es la reacción lógica ante dos atrocidades bárbaras producto de mentes desquiciadas y lobotomizadas), y es cierto que Miller (autor respetado y admirado) tiene derecho a dar su particular visión del personaje de Eisner. Pero es que, después de ver el trailer, creo que lo único que ha dejado del personaje de Eisner es su antifaz y la corbata. Y no sé si eso es del todo honesto. Eso sí, hay que reconocer que la peli parece que va a tener una estética bastante impresionante.

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Siguiendo en la línea del post anterior: via Microsiervos me enteré de un simpático quiz que se publicó en la web de Empire. Se trata de adivinar los títulos de películas con sólo una letra de su póster.

Como sé que por aquí somos muchos los aficionados al cine, a ver si me echan una mano y lo completamos entre todos: a mí me quedan por resolver las número 5, 7, 9, 12, 13, 14, 17, 19, 20, 22, 23, 24, 27, 28, 31 a 35 y a partir de la 38. Pueden ver las que he resuelto haciendo click aquí.

1:Cars 2:Shaun of the Dead 3:King Kong 4:West Side Story 6:A_Bug's_Life 8:FightClub 10:Sin City 11:Saturday Night Fever 15:Matrix 16:Manhattan 18:Shrek 21:ClockWork Orange 26:Pulp Fiction 30:Jurassic Park 36:Spiderman 37:Showgirls

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En Eatliver (que son muy cafres, pero que a veces ponen cosas con mucha coña) publicaron hace tiempo una galería de posters publicitarios bielorusos de películas norteamericanas.

No sé que los hace más divertidos: su discutible calidad plástica y estética, la desconcertante falta de similitud entre los personajes pintados y los reales, o la increíble masacre a cualquier principio elemental del diseño gráfico. Mejor decidan por ustedes mismos, pero, por favor, no se pierdan el póster de "Kill Bill", que me sigue pareciendo un misterio fascinante.

Lo curioso es que tras ver esto me han entrado ganas de visitar Bielorusia. Un país que anuncia de esa forma sus películas debe merecerse una visita.

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Ayer estuvimos viendo El Cuchitril de Joe (John Payson, 1996). La peli no es tan buena como la recordaba, pero hay que reconocer que merece la pena echarle un vistazo aunque sólo sea por sus coprotagonistas: un grupo de simpáticas (pero muy cafres) cucarachas.

Aquí tienen los números musicales de la peli que encontré en el Tubo. Duran poquito, y se ríe uno un rato:

- Funky Towel (la escena del baño)
- Welcome to the Joe's Apartment (introducción)
- Rodeo felino (versión francesa)

Yo creo que la peli también es un clásico entre los recién emancipados (especialmente hombres), por eso de las comparaciones entre el estado de salubridad del piso que da nombre a la peli y el de uno mismo. No es mi caso, que mis amigos y mi familia saben que mi piso siempre ha sido un prodigio y modelo de higiene extrema y pulcritud sin parangón.

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¿Recuerdan este famosísimo video de un aspirante a Bruce Lee comiéndose el tatami mientras intentaba hacer cosillas espectaculares? El nota fue bautizado por la comunidad Internetera como AfroNinja.

Pues no sé si es una coña o de verdad (seguramente lo primero), pero resulta que hay página oficial de la peli de AfroNinja.

Y ya puestos: ¿para cuando harán la segunda parte de Tron, protagonizada por Jay Maynard?

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La primera: Doctor Strange. Prevista para estrenarse en el 2010, se basa en uno de los pocos personajes realmente interesantes de la factoría Marvel: el doctor Stephen Extraño, un mago místico-psicodélico-metafísico con bigotillo y un cuestionable sentido de la moda. Lo que realmente hace que haya que ir a verle es que el guión corre a cargo del Dios Viviente Neil Gaiman. Ah, y la dirige el del Toro. Más info aquí.

Y nuestras plegarias han sido escuchadas, y habrá nueva versión cinematográfica de Dune. Lo bueno es que suponemos que los gusanos CGI tendrán un aspecto acojonante, y que las legiones de Fremen asaltando el palacio del Padishah se contarán por millones. Lo malo es que el CV de su futuro director da un poco de miedo, y que seguramente no estarán en el reparto MacLachlan, Annis, Sting ni ese gigante (en todos los sentidos) que es Von Sydow. Más info aquí y aquí.

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Días de Cine venía a ser a la tele lo que el Cahiers du Cinema o el Dirigido son a las revistas: un espacio de crítica y reflexión en el que tiene cabida todo tipo de cine, y no sólo los taquillazos USA del momento. Tras años de maltrato por parte de TVE, en diciembre de 2007 se emitió su último programa. Su director y presentador, Antonio Gasset, lo conducía con un estilo bastante personal, y aprovechaba la fidelidad (y escasez) de su público para soltar algunas frases no del todo habituales en un programa de esas características.

Aquí pongo algunas, y pueden leer muchas más en la recopilación de citas de Antonio Gasset en WikiQuotes:

- "Ahora vamos con El señor de los anillos, película basada en un famosísimo libro... que yo no me he leído. Sin embargo, les diré como anécdota, que algunos de mis amigos tienen, en una estantería totalmente vacía, junto con su foto de sus vacaciones en Calasparra, un ejemplar de El señor de los anillos."

- "Nos vamos con la esperanza de que ninguno se deje llevar por los fanatismos religiosos, políticos o sexuales: los primeros por no llevar a nada, los segundos porque el objeto de deseo suele ser un idiota de renombre y los últimos por las continuas frustraciones."

- "Jeunet es el director de ese engendro, película para algunos (estaban equivocados), ladrillo para otro (estábamos en lo cierto) que fue Amelie."

- "Se estrena estos días la película El último samurai, protagonizada por el ex-marido de Nicole Kidman, único dato destacable de este actor llamado Tom Cruise."

- "...Soy consciente que a la hora de emisión de mi programa solo puede ser visto por un puñado de politoxicómanos insomnes."

- "Veamos el reportaje de Mar adentro que ha realizado mi compañero y amigo Alberto Bermejo, el único de todo el equipo al que le ha gustado la película."

- "Aprovechen la pausa para revisar su agenda de amigos, encontrarán que han malgastado su preciado tiempo y paciencia en conocer a un montón de ineptos, no se corten, cojan un boli y táchenlos."

- "Llegó la hora de la pausa... espero que puedan contener durante unos minutos los impulsos sexuales de vuestras parejas... si no puede ser, no puede ser... en cualquier caso volveremos después de la publicidad con el sector mas casto de la audiencia."

- "Sed buenos, y si por lo que fuera no podéis, seguid siendo malos, la diferencia es mínima."

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Ayer tuve la oportunidad de asistir a un pase especial de la peli Cobardes, organizado por el Servicio de Prevención y Ayuda Contra el Acoso Escolar del Gobierno de Canarias.

La peli está dirigida y escrita por José Corbacho y Juan Cruz, y entre sus protagonistas están la siempre estupenda Elvira Minguez (recuerden su memorable actuación en La Caja) y una Paz Padilla sorprendentemente coherente en su papel dramático. El relato se centra en un caso de abuso escolar especialmente duro que perpetran unos chavales contra una víctima elegida arbitrariamente.

Aunque desde el punto de vista cinematográfico hay algunos problemas de ritmo y de coherencia, el relato está contado de forma descarnada y sin concesiones al melodrama fácil, y se consigue mantener durante todo el metraje la atmósfera opresiva y contenidamente angustiosa en la que vive el joven protagonista. Con un repertorio de escenarios y personajes muy limitado, y a pesar de algunas líneas argumentales algo superfluas, se consigue meter al espectador en ese microcosmos viciado que padecen muchos adolescentes, y en cierta forma conseguir algo de comprensión sobre la problemática.

La película está dirigida a un público general, pero puede ser especialmente interesante para los que estén relacionados de alguna forma con alguien que esté implicado en abusos escolares.

Tras la proyección hubo un debate en el que intervinieron representantes de diversos colectivos, desde psicólogos hasta policías. Afortunadamente, cuando en el debate salió la palabra "videojuegos", no tuve que hacer de abogado del diablo para rebatir ese típico la culpa de todo la tienen los videojuegos violentos que he escuchado en alguna ocasión, y que pocas veces he conseguido erradicar. En esta ocasión había más sentido común.

Por último, aprovecho para agradecer y felicitar a Inmaculada (no sé su apellido, lo siento) por la organización de esta proyección.

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En el pasado mostré mis temores y dudas sobre la adaptación que el Zack Snyder (conocido por haber perpetrado aquella abominación execrable de película basada en el tebeo 300) está haciendo de Watchmen.

Mis temores y dudas siguen ahí, pero al menos, tras quedarme alucinado viendo esta imagen, ahora creo que tal vez el tipo se lo esté tomando bastante en serio.

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Anoche estuve viendo la peli Zodiac, de David Fincher. Como casi todo lo que hace este hombre, es un relato rotundo y bien construido, con un especial cuidado en los detalles y la deconstrucción del personaje protagonista.

Luego me puse a pensar en otras pelis de asesinos en serie, y me vino a la memoria American Psycho. En concreto la escena que creo que es, con diferencia, la mejor de todo el metraje: el momento en el que Bateman y otros yuppies empresa muestran, con orgullo y vanidad, sus nuevas tarjetas de visita. Todas ellas son casi idénticas, y en todas el cargo es el mismo (VP), pero las sutiles diferencias en la calidad del papel, la tipografía o la tinta, unidos a la terrible escala de valores de estos individuos vacíos, hacen que el duelo sea encarnizado, y que el perdedor sienta dolor físico.

Vean la escena aquí, en el tubo. En inglés, me temo.

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Tras casi 20 años de espera, la semana pasada se estrenó una nueva peli de Indiana Jones. Y por supuesto, como casi cualquiera que haya sido un chavalín durante los 80 (y, especialmente, aquellos que además consumíamos cualquier cosa que sonase a aventuras/fantasía/CiFi), no pude esperar mucho para ir a verla.

Resulta dificil criticar, e incluso evaluar, una película como ésta: representa la continuación de una de las sagas con más carga mítica de mi generación. Aquella trilogía no solo es un compendio de virtudes del cine de aventuras (especialmente la primera y la tercera entrega, porque ya sabemos que la segunda era flojita), sino que la protagoniza uno de los personajes más carismáticos de la historia del cine, e inspiraró a un grandísimo hito de los videojuegos de aventuras: Indiana Jones and the Fate of Atlantis. Con semejante currículum a sus espaldas, resultaría injusto e inutil asistir a la proyección de esta cuarta parte de la saga compararándola con las tres primeras. Además, tras un paréntesis de 20 años la forma de hacer (y ver) cine de acción ha cambiado sustancialmente y, por supuesto, los actores (y por tanto sus personajes) han envejecido.

Sin embargo, a poco que uno se deje llevar por la historia y los personajes, ver Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal es uno de los mayores placeres cinematográficos que he experimentado en mucho tiempo. El personaje sigue teniendo tanta fuerza como siempre, más aún ahora que está matizado por el paso del tiempo, y su nuevo compañero de correrías (una especie de mezcla entre James Dean, Marlon Brando y Danny Zuko), en contra de todas las previsiones, encaja con mucha gracia en la historia. Claro que hay detalles de bastante poca credibilidad física, así como algunos tópicos del género, pero es que eso también es una característica intrínseca a la saga. Los guiños a las predecesoras gustarán a los espectadores veteranos, pero tiene entidad propia suficiente como para que una nueva generación de aficionados pueda engancharse a las anteriores a través de ésta.

Y hay una escena que, por sí sola, hace que la película merezca respeto: en una secuencia casi al inicio de la historia (no les reventaré el argumento al comentarla), Indy contempla, asombrado, el hongo atómico que sigue a una detonación nuclear. Por primera vez en la saga, un ente de destrucción masiva es obra del ser humano, en lugar de un producto de fuerzas sobrenaturales. Es todo un epitafio de una época pretérica de misticismo, así como esta película es el último clavo en el ataúd de una forma de hacer cine de acción. La tecnología reemplaza, inevitablemente, a la magia.

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Este fin de semana nos dio por volver a ver la impresionante película Casino, de Martin Scorsese. Es una de esas películas rotundas, con unos intérpretes en estado de gracia (en mi opinión, Sharon Stone ya está redimida de cualquier pecado cinematográfico tras una interpretación como la que desplegó aquí), unas secuencias espectaculares y una historia despiadada. Los extremos de la película (la escena inicial y el epílogo) son simplemente impecables.

Pero además de por estos argumentos, Casino también merece ser vista por sus títulos de crédito iniciales. Más allá de sus cualidades estéticas, esta cabecera fue el último trabajo de Saul Bass, el gran profesional de este extraño arte y la única persiona conocida popularmente por hacer títulos de crédito.

Esto me recuerda a que hace poco descubrí un sitio dedicado exclusivamente a esta materia, llamado acertadamente The Art of the Title Sequence. Aunque aún tiene alguna carencia (como la propia Casino), ya cuenta con una nutrida colección de secuencias de títulos de crédito, tanto de películas como de series de televisión.

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Allá por el 2004, Charlie Kaufman y Michel Gondry parieron una peli de culto llamada Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Aquí en España, su maravilloso título fue masacrado cuando a algún cretino le dio por estrenarla con el estúpido y engañoso nombre Olvídate de mí.

Cuatro años después, cuando aún no nos habíamos olvidado del pelo azul de la Winslet, Gondry vuelve a construir un clásico underground instantáneo: Rebobine, por favor.

La pareja protagonista es Jack Black (que desde Tenacious D ostenta la categoría de Dios Viviente) y Mos Def (sí, el del Autoestopista Galáctico), y hacen papelitos menores gente gorda como Danny Glover, Mia Farrow y Sigourney Weaver.

La historia es un portento de ingenio estrafalario y desparpajo narrativo, en el que se mezclan en un relato surrealista el cine VHS de los 80, la conspiranoia y el Jazz negro estadounidense. Además de lo desternillante de algunas escenas, lo original del planteamiento y la enorme sensibilidad de la parte final, la película también merece ser vista por el inteligente tratamiento que hace de la comunicación viral y la creación casera de contenidos audiovisuales.

Si no hacen caso a mi consejo y no van a verla, al menos échenle un vistazo a la página oficial. Y no una, sino varias veces, porque tiene varias portadas diferentes.

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Realmente están haciendo la adaptación cinematográfica de uno de los tebeos más influyentes y glorificados de la historia: Watchmen. Vean las primeras imágenes de los personajes protagonistas en la página oficial de la cosa esta.

Al verlas, algunos podrán decir: "coño, pues tienen buena pinta". Y tal vez tengan razón, pero seguro que eso no va a salvar a ese engendro abominable de película que seguramente resultará ser.

Y también dirán: "¿Y porqué este chaval tiene esta actitud tan pesimienta e incendiaria acerca de esa película?" A lo que les responderé: dos motivos.

1. La dirige Zack Snyder, quien tal vez sea una bellísima persona, pero es el responsable de una de las mayores atrocidades fílmicas que he tenido la desgracia de visionar: 300

2. Seguiré diciéndolo hasta desfallecer: no se puede adaptar Watchmen a otro medio que no sea el tebeo. No es que "no se deba", sino que "no se puede" sin fracasar en el intento. Los motivos están explicados en mi artículo sobre Watchmen.

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Hace ya unas cuantas semanas que se nos pasó la resaca de la última edición de los Oscar, pero no por eso voy a dejar de aconsejar esta página, en la que han recopilado los carteles de todas las películas que han ganado el Oscar a la mejor película. En algunos casos se puede obtener una versión a una resolución decentita al hace click en el cartel.

Además de un magnífico recordatorio visual de los filmes laureados, permite apreciar fácilmente la evolución en gustos y técnicas que ha sufrido el cartelismo cinematográfico.

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Este fin de semana fue especialmente cinematográfico. Les he preparado micro-análsis de tres de las películas que ví:

- La vida de los otros. Una experiencia inolvidable. A pesar de su aparente calma y ritmo pausado, tiene algunos de los momentos más estremecedores que he visto en el cine. Toda una lección de sensibilidad, sustentadas con unas interpretaciones escalofriantes. Lamentablemente, parece que hay planes para hacer una versión a lo Hollywood, en lo que sería la enésima herejía yanqui descerebrada contra una maravillosa peli europea.

- Lara Croft Tomb Raider: la cuna de la vida. Una auténtica tortura cinematográfica. Guión estrafalario, historia manida (y claramente robada de la saga de Indiana Jones), personajes totalmente arquetípicos y uno de los resultados más desastrosos y lamentables que se han visto en la pantalla. Aléjense de ella. Si quieren ver a la Angelina Jolie, mejor usan el Google Images, que tiene más profundidad narrativa que este esperpento al que llaman película.

- El Rey del Juego (The Cincinnati Kid). A diferencia de las anteriores, ésta no es reciente. Se trata de una peli de Norman Jewison, rodada en 1965 y con Steve McQueen como protagonista. La historia es bastante sencilla: básicamente narra el enfrentamiento en una super-partida de póquer entre un irreverente y seductor jugador que comienza a fabricar su mito y una auténtica leyenda que se niega a retirarse, interpretada por un inmenso Edward G. Robinson. La película resiste magníficamente el paso del tiempo, y la escena climática sigue siendo acojonante.

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Ayer fue la ceremonia de entrega de los Oscar. Como de costumbre, no la ví (para mí suele ser demasiado larga, demasiado aburrida y la ponen demasiado tarde), pero como de costumbre, a primera hora le eché un vistazo a los resultados.

No hay muchas sorpresas: No es país para viejos (que aún no he visto, lo que es totalmente imperdonable) arrasó con los premios principales, incluyendo película, dirección (¡Los Coen tienen, por fin, Oscar a la mejor dirección!) y actor de reparto, para Bardem. En cuanto a otra de las favoritas, Sweeney Todd (que ví el viernes y me decepcionó bastante) se llevó el de dirección artística. Y por último, Ratatuille, a la que le tengo especial cariño, se llevó el de película animada.

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Muchísima gente ha visto la trilogía de "El Padrino", de Francis Ford Coppola (basada en la novela de Mario Puzo). Y de esa gente que la ha visto, la mayoría opina que es una obra cinematográfica soberbia. Hoy me gustaría recordar los motivos por los que yo opino lo mismo:

1. Michael. El Don Vito de Brando es la imagen de la primera parte, pero para mí el personaje de Michael Corleone y la vida que le da Al Pacino son el principal motivo por lo que la saga es lo que es. Muy pocos personajes cinematográficos tienen una fuerza parecida.

2. Los secundarios. Dejando de lado a Pacino, Brando y De Niro, tienen presencia destacada una serie de actores secundarios en estado de gracia, como el Fredo de John Cazale (actor de culto donde los haya) o el Tom Hagen de Robert Duvall.

3. La ambientación. Tanto la Italia rural como los paisajes urbanos de Nueva York están retratados con un realismo y una atmósfera acojonantes.

4. Metáforas y montajes. Ya sea por su simbolismo o por la efectividad del montaje, hay diversas escenas estremecedoramente inolvidables. Por poner unos ejemplos están la del tiroteo con las naranjas (Parte I), la de la Caballeria Rusticana (Parte III) o mi favorita: la repartición de la tarta de Cuba entre los mafiosos (Parte II).

5. La tipografía y el logo. Este motivo no suele salir en las revistas de cine, y no creo que sea trivial: al fin de cuentas, ¿no son realmente fantásticos la tipografía del título y el logotipo de la mano del titiritero?. Quien los concibió se merece algo de más reconocimiento.

Y para terminar, he aquí una extensa y jugosa colección de links variopintos sobre la saga, por obra y gracia de Grow-a-Brain.

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Hoy me gustaría rescatar tres vídeos del festival audiovisual Resfest 2005 que me dejaron absolutamente boquiabierto en su día, tanto por su calidad técnica como por su capacidad emotiva. Auténticas obras maestras.
Todos pueden ser vistos en el Tube, pero si están en el trabajo y no tienen altavoces, mejor esperan a llegar a casa para poder escuchar la música, porque en las tres piezas es importante.

Overtime. El planteamiento de este pequeño corto es muy original: unas primitivas Ranas Gustavo le rinden a su creador, Jim Henson, el homenaje póstumo que se merece. La música es preciosa y el resultado profundamente conmovedor.

Tread Softly. Ya dije en este post de hace unos meses que mi poema favorito es el Tread Softly, de Yeats. En esta pieza se lleva a imágenes llenas de belleza. Las líneas iniciales, que apenas se pueden leer, explican lo siguiente: "En 1889 Yeats conoció a Maud Gonne, una actriz y revolucionaria irlandesa, que se convertiría en su gran amor durante 20 años. Fue su inspiración de su vida y su imaginación. Sin embargo, ella nunca correspondió a su amor."

Fallen Art. Esta pieza es realmente impactante. No creo que deje indiferente a nadie. Es un poderosísimo alegato a la arbitrariedad y el sinsentido de la guerra y los militares, aún me estremezco al recordar la primera vez que la ví.

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Allá por el 2005 la actriz y directora Miranda July estrenó su primer largometraje: Tu, yo y todos los demás, que pude ver durante este fin de semana.

Es una historia bastante dificil de clasificar, que toca los temas de las relaciones humanas, la soledad y el sexo. Está claro que hay cientos de miles de películas que tocan estos temas, así que ¿que hace que ésta sea distinta?

En primer lugar, su carga simbólica. Hay multitud de pequeños detalles visuales y fragmentos de diálogos que, siendo en apariencia simples y rutinarios, esconden un enorme peso sentimental y emotivo. Por otro lado, el inteligente uso de la música y la fotografía contribuyen a potenciar una atmósfera triste y melancólica, que se suaviza con los frecuentes toques de humor ácido de la historia y con algunos momentos terriblemente tiernos y poéticos.

Está claro que requiere del espectador cierta complicidad y, al principio, paciencia, pero que se ven recompensadas al final con la agradable sensación de haber visto algo distinto, emotivo y profundo.

Y por último, si la ven y se pasan media película preguntándose en qué otra película han visto a la actriz que interpreta a la cría del ajuar, he aquí mi respuesta: no lo sé, pero NO es la de Little Miss Sunshine. Por mucho que se parezca. Lo he comprobado.

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Parece que a los coreanos les encanta comer pulpo crudo, tal y como muestra este vídeo. Tan crudo, que no deja de retorcerse, ni siquiera cuando se trocea. Da un poco de asquito, pero reconozco que podría ser una experiencia gastronómica fascinante, si no fuera por las cuestiones éticas que acarrea.

Y todo esto me recuerda a aquella maravillosa película de Chan-wook Park: Oldboy. Algún día escribiré un post sobre ella, y comprenderán porqué una cosa me recordó a la otra. Por lo pronto, si no la conocen y la ven por ahí, échenle un vistazo. No deja indiferente.

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El fin de semana me tragué una peli que tenía pendiente desde hacía tiempo: Tocando al viento (brassed off), de Mark Herman. El título no es nada casual: tanto el traducido como el original aluden a un juego de palabras con la expresión meando al viento (pissed off).

La película narra los conflictos laborales de un grupo de mineros ante el más que previsible cierre de su mina, en el contexto de la Inglaterra de Margaret Tatcher. Paralelamente, la banda de metal (es decir, especializada en instrumentos de metal: nada que ver con el Heavy Metal) de la mina, formada por los propios trabajadores, intenta convertirse en la ganadora del Certamen Nacional de Bandas de Metal de Inglaterra.

Esta simpática película se estrenó justo un año antes que "The Full Monty", y aunque las dos películas son muy parecidas en temática y planteamiento (yo diría que hasta demasiado parecidas), la de los strippers tuvo mucha más repercusion, al tener un humor más accesible y facilón. "Tocando al viento", sin embargo, aborda cono mucha más profundidad y compromiso el gran drama que supuso para el norte de Inglaterra el abandono de la industria pesada por parte del gobierno central, en manos de los Torys. Sólo en el sector minero se produjo la pérdida de unos 250.000 empleos por los cierres de minas, que afectaron principalmente a una población humilde y endeudada. Las consecuencias de aquella despiadada política aún se palpan hoy en día: cualquiera que haya recorrido Inglaterra puede comprobar las gigantescas diferencias económicas y sociales que hay entre el turístico sur y el desolado norte.

Más allá de su temática social, la película retrata con bastante acierto el caracter inglés, aunque se le puede achacar cierta torpeza en la dirección y un guión algo previsible. La interpretación del grandísimo Pete Postlethwaite (¿recuerdan al padre de En el nombre del padre?) es, como siempre, soberbia. La sensación al final de la película es la de haber visto una película de Ken Loach, aunque algo más suave y amable.

Y a modo de curiosidad: el discurso final del personaje de Postlethwaite es el fragmento de diálogo con el que empieza la canción más famosa de Chumbawamba: Tumbthumping.

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Hace ya tiempo que prometí un análisis de la edición definitiva de Blade Runner cuando la tuviese en mis manos. Pues bien, obra en mi poder desde hace ya unas semanas (la versión compacta, que no trae maquetas ni figuritas), y ya he tenido la oportunidad de disfrutar algunos de sus contenidos, que paso a reseñar a continuación:

- Montaje definitivo del 2007. Se supone que es la versión que Ridley Scott siempre había querido para su película, pero hay que reconocer que las diferencias son muy sutiles. Si uno hace tiempo que no la ha visto, no notará la mayoría de las alteraciones. Pero en cualquier caso, revisando la lista, hay que reconocer que aunque sutiles eran necesarias, y que la reedición estaba plenamente justificada.

- Workprint. Es la primera versión que se mostró al público, en concreto a una audiencia reducida, para examinar las primeras impresiones de los espectadores. Probablemente la versión a la que más se parece es a la del montaje del 2007, pero con notables diferencias al principio y al final. Curiosamente, el principio de todo (antes de las imágenes panorámicas de Los Angeles) me gusta más que el de los montajes posteriores.

- Documentales. Aún no los he visto todo, pero son realmente buenos. Nada de los típicos es un honor trabajar con fulanito o los efectos especiales son lo nunca visto: material realmente informativo y riguroso. Son especialmente reveladores los dedicados a las alteraciones en la adaptación de la novela y el trabajo de diseño gráfico.

Además de estos contenidos, el cofre incluye las versiones estrenadas en el 82 y el montaje del director del 92, que ya estaban disponibles anteriormente. Por otro lado, el aspecto exterior e interior del cofre es impecable, y los menús de navegación están muy cuidados.

En definitiva: una inversión más que justificada para los fanáticos de la peli, con una relación calidad/precio excelente.

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El fin de semana pasado se estrenó en España la adaptación cinematográfica de El amor en los tiempos del cólera, la novela de Gabriel García Márquez. Ayer mismo fuimos a verla.

No voy a entrar en la fidelidad de la película a la novela ni a compararlas, simplemente porque no he leído la obra literaria. Me centraré, por tanto, en la película en sí misma, que está dirigida por Mike Newell (el de Cuatro bodas y un funeral) y protagonizada por Javier Bardem y Giovanna Mezzogiorno (no, yo tampoco había oído hablar nunca de ella). Está realizada con un cuidado exquisito en la reconstrucción de la época y los ambientes, y el argumento se desarrolla de forma fluida y entretenida. La pasión y el romanticismo del argumento están plasmados en imágenes de gran sensibilidad, en las que las interpretaciones están a la altura de unos diálogos deliciosos. Sólo podría achacársele cierta irregularidad en las caracterizaciones (uno no puede creerse la edad que se supone que tiene la protagonista en algunas escenas) y un montaje a ratos algo confuso (especialmente cuando hay saltos importantes en la cronología). Pero bajo mi punto de vista es una película notable, injustamente maltratada por algunos críticos.

Pero, sinceramente, lo que realmente me encantó de la película no tiene nada que ver con sus virtudes cinematográficas: son algunas de las ideas que transmite, y que me imagino que están presentes (y de forma más completa) en la obra origen. Ideas que parten del amor más absoluto, que probablemente es sólo teórico e ilusiorio, pero que puede ser perfectamente el motor de la vida de una persona. Ideas como la del padre de Florentino, que afirmaba en su lecho de muerte que sólo lamentaba una cosa: no haber muerto por amor. O el sufrimiento físico por un amor: la madre de Florentino, viendo la angustia de su hijo ante la incertidumbre de si su amor es correspondido, le aconseja que sufra, que sufra como nunca ha sufrido, porque nunca volverá a tener la oportunidad de sufrir de esa forma. Y muchos otros conceptos que no quisiera citar aquí para no destripar el argumento. Conceptos, en suma, que giran en torno a la pasión y al Amor más absolutos, y que parece que hoy en día están mal vistos en un mundo de corrección y asepsia social y racional, en el que se asume el amor debe ser sustituido forzosamente por la rutina y el engaño. Yo, personalmente, me niego a creerlo.

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No es país para viejos
Cuando: 8 de febrero
Porqué: La dirigen Joel y Ethan Coen. Eso debería bastar para ir a verla, pero además ha gozado del más fervoroso entusiasmo de la crítica internacional y ha ganado el Globo de Oro al mejor guión. Ambas cosas no garantizan nada, claro, pero animan a verla. Y encima tienen papeles destacados nuestro Javier Bardén (que también ganó el Globo de Oro) y la siempre estupenda Kelly MacDonald.

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal
Cuando: 22 de mayo
Porqué: Indiana Jones. Yo creo que casi cualquier individuo de mi generación creció queriendo convertirse en Indiana Jones de mayor. Las tres primeras películas son todo un compendio de cómo debe ser una película de aventuras (imitaciones posteriores como La Momia no le llegan a la punta de los talones, por supuesto), y aunque esta cuarta entrega sólo se haya hecho para ganar dinero, da igual: es Indiana Jones, y la dirige Spielberg.

Synecdoche, New York
Cuando: Dios sabe cuando. Probablemente finales de año.
Porqué: Dirección y guión de Charlie Kaufman, la mente preclara y brillante detrás de maravillas como Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Además, el reparto es espectacular: Philip Seymour Hoffman, Dianne Wiest, Emily Watson, Samantha Morton, Jennifer Jason Leigh y Catherine Keener, entre otros. Y el argumento promete.

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¿Qué pasaría si juntásemos a Susan Sarandon, un novio suyo muy correcto, un travesti que desea ser como el Doctor Frankestein, dos extraterrestres, a Meatloaf, a una petarda histérica, a un investigador y al medio cerebro de un delicuente?

Pues que tendríamos ante nuestros ojos The Rocky Horror Picture Show. Copio lo que dice la Wikipedia: es una película dirigida en 1975 por Jim Sharman sobre el musical The Rocky Horror Show de Richard O´Brien. Se trata de una película de culto sobre una pareja que, tras una avería en su coche, se ven obligados a pasar la noche en la mansión del Doctor Frank N' Furter que celebra la convención de transilvanos con motivo de la creación de su criatura, Rocky Horror, un hombre perfecto cuyo "medio" cerebro pertenece a un delincuente juvenil. La película no tardó en ser objeto de culto y pasar a la historia siendo todavía exhibida en cines donde se montan auténticas fiestas en torno a la película.

Mi opinión: es una obra de arte. Aunque la última parte de la película me parece un poco psicodélica. El personaje principal (el Doctor Frank N' Furter) tiene una personalidad de esas que no pasan desapercibidas. Además de su atuendo... que no es nada habitual para la época. Las canciones son increíbles e invitan a bailar y a soltarse uno la peluca (para los peninsulares/as: desmadrarse). Mis favoritas: Time Warp y Sweet Transvestite, que sirve como presentación de nuestro querido Doctor Frank N’ Furter. También podemos ver una jovencísima Susan Sarandon haciendo de niña buena que más tarde se suelta la melena, junto a su correctísimo novio, encarnado por Barry Bostwick, a quien hemos visto de alcalde de Nueva York en la última serie de Michael J. Fox.
La única pega que tiene la película para los hablantes de español es que no ha sido doblada. Únicamente puede disfrutarse en VO o con subtítulos. Pero merece la pena.

Para los valientes que la vean: el Time Warp es fácil de bailar.

Transinity

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Por respeto a mis lectores de fuera de mi ciudad no suelo poner posts que sean demasiado específicos de Las Palmas de Gran Canaria, pero les ruego que hoy me permitan hacer una excepción.

Saben que en esta ciudad tenemos varias salas de cine, pero casi todas estrenan lo mismo: producciones estadounidenses de gran presupuesto y recaudación. Los Multicines Monopol, por la zona de Triana-Vegueta, son la excepción. Llevan años estrenando películas independientes y minoritarias, de gran diversidad de estilos, nacionalidades e intenciones.

Por desgracia ese cine de autor, sincero y valioso, corre peligro. Al parecer los propietarios quieren cerrar la sala por la falta de público. No estoy seguro de la completa veracidad de esto, pero sólo la mera posibilidad basta para que hagamos un esfuerzo, y si algún día una película que queramos ver se estrena al mismo tiempo en el Monopol y en otro cine, vayamos a la única sala que aún se esfuerza en considerar al cine como un arte, y no como una mercancía. Además, tanto la entrada como las provisiones de picoteo y bebida son mucho, mucho más baratas.

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Una de las películas de culto de los 90, que pasó injustamente desapercibida entre el gran público, fue "La Ciudad de los Niños Perdidos", del grandísimo tándem creativo que fue la pareja de directores Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet. Más o menos una vez al año sigo revisando esta maravillosa pieza de creatividad y sensibilidad visual.

Pues imaginemos que al argumento básico de aquella película le quitamos la particular imaginería visual pesadillesca de Jeunet y la sustituimos por la fantasía bucólico-pastoril de la saga de Narnia, de C.S.Lewis. Y si a eso le ponemos un poquito del estilo Steampunk que está tan de moda (es decir, estética victoriana y de la revolución industrial puesta al día), tenemos más o menos el concepto básico de La Brújula Dorada, el último éxito del cine fantástico de gran presupuesto.

Dejando aparte comparaciones, la película se trata de la adaptación del primer libro (que se llamaba Northern Lights, pero que en los EEUU prefieron rebautizarlo como The Golden Compass) de la saga His Dark Materials, del británico Philip Pullman.

No sé muy bien si la adaptación es fiel, aunque al parecer se han suavizado los elementos religiosos de la novela. Y teniendo en cuenta que aun así los fanáticos religiosos norteamericanos pusieron el grito en el cielo, pues tal vez la moderación a la hora de adaptar fue una buena decisión. A mí, personalmente, me pareció una película elegante y entretenida, con un reparto excepcional, algunas escenas puntuales bastante emocionantes y una estética muy cuidada. Es de esas películas que gustarán a chavales y mayores, pero que al ir a ver hay que tener en cuenta que es la primera parte de una trilogía.

Pero claro, algunas comparaciones, aunque odiosas, son inevitables, y mi impresión final es que, aunque es una película más que correcta, es mucho más fria que las dos películas a las que me remite: la primera parte de la saga de Narnia y, sobre todo, "La Ciudad de los Niños Perdidos".

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Ayer se puso a la venta internacionalmente la edición absolutamente definitiva en DVD del grandísimo clásico Blade Runner, de Ridley Scott. La peli que marcó un antes y un después en la Ciencia-Ficción y el Cyberpunk, por obra y gracia de Ridley Scott, Philip K. Dick y Syd Mead. Ha sido bautizado oficialmente como Blade Runner: el montaje final. Edición coleccionista 5 discos.

Aquí en España parece ser que se venderá sólo en dvdgo.com a partir del 2 de enero, pero estoy convencido que también se venderá en otras tiendas. Y si no, siempre nos queda Amazon.co.uk. Por cierto, los DVDs son los mismos que los de aquella edición super-limitada en maletín y con chucherías que se agotó completamente en pocos días.

¿Y por qué todos los adoradores de esta peli tenemos que comprar esta edición?. Pues porque en una bonita caja (vean fotos aquí y aquí) se incluyen cinco (!!!) versiones diferentes de la peli, cuidadosamente remasterizadas: las dos versiones que se estrenaron en el 82 (USA e internacional), la del director del 92, un nuevo montaje de Ridley Scott y un rarísimo Workprint. También incluye un DVD con flejellones de extras: documentales, comentarios, curiosidades, ilustraciones conceptuales...

Además tiene un precio bastante razonable para lo que trae: menos de 50€. Obviamente, tendré que comprarlo tras la sangría económica que son las navidades. Esperemos que a mediados de enero aún quede alguno por ahí.

Y prometo un análisis en profundidad de este tesoro cuando lo tenga en mis manos.

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No me considero ducho en muchas materias, pero una de ellas, sin duda, es Mortadelo y Filemón durante la Época Dorada de Ibañez (finales de los 60 - principios de los 80). He leído cien veces algunos de los tebeos de este glorioso periodo, y tras múltiples pesquisas por rastros, salones del cómic y tiendas de tebeos, me he hecho prácticamente con todos ellos.

Por este motivo muchos me preguntaron mi opinión cuando se estrenó la adaptación de Mortadelo y Filemón a cargo de Javier Fesser, de hace ya unos años. Y es la siguiente: aunque recupera parte de la idiosincracia de los tebeos, haciendo un buen uso de los efectos especiales para trasladar a imagen los gags físicos, es demasiado esperpéntica, excesiva e intencionadamente cutre. El tebeo original tenía un toque de elegancia e inteligencia que se ha perdido por el camino. No es la mejor adaptación que se podía hacer, desde luego, pero tampoco la peor.

Pues todo esto viene a cuento porque dentro de muy poco tiempo se estrena la segunda parte, como era de esperar. Y parece que va a seguir en la línea de la primera, como se puede ver en este tráiler. Imagino que los que disfrutaron de la primera parte volverán a hacerlo, pero muchos nos pensaremos ir a verla.

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Si existiese un óscar a la película más original, tendría que llevárselo, sin duda, "Gritos en el pasillo", de Juan José Ramírez Mascaró.

Se trata de un largometraje de terror atmosférico y psicológico ambientado en un hospital psiquiátrico, cuyo director encarga a un dibujante la tarea de decorar las paredes para hacer que el lugar sea menos deprimente. Poco a poco, el artista se ve afectado por el malsano ambiente del lugar.

Hasta aquí puedo contar, para no reventar el argumento (y porque aún no la he terminado de ver). Pero no es la historia lo más sorprendente de esta película. Lo es el hecho de que esté protagonizada por frutos secos (principalemente cacahuetes) minuciosamente pintados y animados a mano. De hecho, todo en la película es artesanal: los fondos están hechos con materiales reciclados de contenedores, y los efectos especiales son caseros.

A pesar de lo que pudiera parecer, la película es muy correcta técnicamente, con unos hallazgos de fotografía destacables, y consigue transmitir al espectador una auténtica sensación de inquietud y desasosiego (una vez superada la fase de asimilación de que los cacahuetes interpreten la película, claro). Además se aprovecha la naturaleza de los actores para dar unas pinceladas de humor al argumento: a los tratamientos de electro-shock se les llama garrapiñar, y a los pacientes se les llama caducados.

Además la película tiene el privilegio de ser la primera de haberse estrenado simultanamente en cines, DVDs y descarga legal, sentando un precedente en las nuevas formas de distribución cinematográfica. Pueden ver más información de la peli en su página oficial, donde también pueden comprarla (versión descargable) por menos de 4€.

En resumen: es algo así como el "Corredor sin retorno" de Samuel Fuller, pero con ambientación gótica a lo H.P.Lovecraft. A falta de terminar de verla, me está pareciendo un soplo de aire fresco en el género. Un equipo diminuto de personas, prácticamente sin presupuesto, han logrado hacer con sus manos una película de terror mucho más efectiva, interesante e inquietante que cualquier estupidez a lo "Saw" o "Hostel". Niguna de ellas consiguieron conmigo lo que lograron los cacahuetes enfermos: alterar mi sueño. Hay testigos de ello...

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Es facil acostumbrarse y asumir como normal una situación de libertad prácticamente plena de expresión y pensamiento. Muchos chavales acusan a gobiernos europeos actuales de fascistas y antidemocráticos, pero, aunque la situación dista mucho de ser perfecta, no creo que sean del todo conscientes de lo que puede suponer vivir en una dictadura militar. No hace mucho que en Europa la libertad aún era un privilegio, y aún hoy lo sigue siendo en buena parte del mundo.

Grandes personas y autores de cine como Costa Gavras o el recientemente comentado Ken Loach han hecho películas terribles y muy aleccionadoras de lo que puede ser eso. De hecho, en este post quisiera recordar una notable película que Gavras filmó a finales de los 60: Z. Se trata de un tremendo relato acerca de la dictadura militar que gobernó con mano de hierro en Grecia desde el 67 hasta el 74 (lo que se conoce como el Régimen de los Coroneles), y en cuya instauración tuvo lugar el asesinato del parlamentario pacifista Gregoris Lambrakis. Su mensaje y muerte se convertirían en símbolos de la resistencia contra un régimen de terror, represión y tortura.

Hoy en día el ritmo de la película puede resultar un poco extraño o incluso dificil, pero el valor documental del filme es enorme: a pesar de que en ningún momento se menciona expresamente que lo narrado sea lo que ocurre en Grecia (es importante señalar que se rodó mientras estaba en el poder el nefasto régimen), no deja lugar a dudas. De hecho el director incluye en la película el mensaje Todo parecido con la realidad no es pura coincidencia: es completamente intencionado. Gavras se adentra de esa forma en el territorio del cine documental y de denuncia, en una época convulsa y mucho más prolífica en idealistas que la actual.

Al final de la película, en todo un alegato contra el sinsentido de los regímenes represivos, el director muestra en pantalla todo aquello que prohibieron los Coroneles durante su mandato. La lista incluye:

- Movimientos pacifistas
- Huelgas
- Sindicatos
- Pelo largo en los hombres
- Música popular (incluyendo Los Beatles)
- Autores: Sófocles, Tolstoy, Sócrates, Becket, Sartre, Twain, Ionesco...
- Enciclopedias
- Matemática moderna
- Prensa libre
- La letra Z

En efecto: la letra Z, porque en griego antiguo significa "Vive!". Era el grito de los opositores al régimen, con el que proclamaban que el espíritu de Lambrakis seguía vivo.

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El pasado viernes se estrenó Stardust, la adaptación cinematográfica de la novela homónima del grandísimo Neil Gaiman. Hoy, sólo cinco días después, ningún cine la ofrece en cartelera. Es lógico: hay que hacer hueco a Saw IV y Resident Evil Extintion. Los crímenes inenarrables y las masacres de zombies interesan más al público que las fábulas sobre amor eterno, aventuras increíbles y fantasía desbordante. Es realmente desolador.

Pero bueno, vamos a narrar un poco de qué va esta película (muy por encima, para no reventar el argumento): la historia se sitúa en un punto impreciso de la Inglaterra rural de mediados del siglo XIX. Cerca de un diminuto pueblo existe, sin que aparentemente nadie se haya preguntado nunca porqué, un extraño muro de piedra guardado por un anciano, que representa la frontera entre nuestro plano y una tierra fantástica en la que reina la magia y lo sobrenatural. La caída de una estrella en este mundo precipitará una serie de acontecimientos por la cual tres seres, con intenciones y motivos muy distintos, iniciarán la búsqueda del preciado tesoro celestial.

La película retoma la tradición de magia y fantasía de la que son ilustres representantes Cristal Oscuro y Laberinto. El que la historia esté plagada de brujas, héroes y aventuras podría hacer pensar que es un producto dirigido a un público juvenil, pero nada más lejos de la verdad: afortunadamente carece de las concesiones y tópicos de la saga Potter, y se dirige a un público capaz de digerir grandes dosis de imaginación y de apreciar sus grandes hallazgos de diseño y producción. La historia de amor entre los protagonistas está contada con sensibilidad y equilibrio, por lo que no resulta empalagosa, y aunque el principio pueda ser algo desconcertante el relato retoma fluidez muy pronto, con lo que las más de dos horas que dura se pasan en un suspiro.

Los realizadores no repararon gastos en el reparto: hay pesos pesados como Michele Pfeiffer y Robert de Niro, grandes glorias como Peter O'Toole (en un papel diminuto) y Sir Ian McKellen y actores de culto como Rupert Everett y Claire Danes.

En Las Palmas ya resulta un poco dificil verla en pantalla grande, pero los afortunados que tengan cerca alguna sala de cine en la que aún la proyecten, no deberían perdérsela. Dos horas de puro gozo en tierras fantásticas. Y si quieren saber más sobre el maestro Gaiman, pueden echarle un vistazo al post que escribí sobre él hace ya un tiempo.

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